Frank Moyo, vedette des réseaux sociaux, fait partie des 21 créateurs sélectionnés dans le cadre du Programme pilote pour la création numérique du Fonds des médias du Canada. Le professeur de chant explique pourquoi il réalise des vidéos pour enseigner l’italien aux enfants, et comment ce soutien financier pourrait l’aider à faire passer son contenu au niveau supérieur.

Les racines italiennes de Frank Moyo sont profondément ancrées. Ses parents et ses grands-parents ont émigré de la Calabre, dans le sud de l’Italie, vers le Canada au début des années 1970. Né en 1993, Moyo a grandi dans la culture et la langue italiennes. Il était très proche de ses grands-parents, en particulier de sa grand-mère maternelle, qu’il appelle « Nonna ». « Je parlais italien quand j’étais enfant et j’ai grandi en mangeant italien », raconte-t-il.

À 11 ans, le jeune Frank découvre la musique. « J’ai vu une guitare dans une vitrine et j’ai demandé à mon père de me l’offrir pour Noël, se souvient-il. C’est une histoire un peu clichée, mais je vous jure que c’est vrai. » Il commence alors à composer et à développer ses talents d’auteur-compositeur-interprète, tout en étudiant l’italien et l’archéologie à l’Université de Toronto, avant de poursuivre sa formation en enseignement.

Frank Moyo est professeur de musique depuis 2018 et travaille dans deux écoles primaires de Toronto. Mais ce n’est qu’après six ans de carrière, vers 2024, qu’il commence à réunir ses trois passions : la musique, l’enseignement et l’italien. Une quatrième s’ajoute rapidement à l’équation : la création de contenu. Sous le nom de @frankmoyomusic, il rejoint près d’un million d’abonnés sur Instagram, et publie aussi ses vidéos sur YouTube sous le nom de @FrankMoyo.

La naissance d’un créateur de contenu numérique

Même s’il avait déjà chanté en italien, surtout des reprises, Frank Moyo a été inspiré par la façon dont certains professeurs de langue utilisent le rythme pour faciliter la prononciation. « Je me suis un peu basé sur le rythme », explique-t-il, en prenant le mot « parmigiano » comme exemple. Il décompose le mot en syllabes, puis les intègre à une trame rythmique. « Ensuite, on en fait une chanson. »

Il a vu l’apprentissage de l’italien comme un moyen de briser la glace pour permettre à ses élèves en musique de vivre une nouvelle expérience ensemble. « Ils étaient moins timides et moins préoccupés par le jugement des autres, car ils apprenaient tous en même temps », raconte-t-il.

Frank Moyo a ainsi composé ce qu’il appelle « The Cheese Song », qu’il a interprétée devant une classe de deuxième année, en posant son téléphone sur un support de projecteur. Il voulait filmer sa performance et la publier en ligne afin que d’autres puissent en profiter. C'était l'une des premières chansons d'apprentissage de l'italien qu'il a publiées sur son compte Instagram, et elle est devenue virale.

« La vidéo a atteint 15 millions de vues en une semaine ou deux, se souvient-il. Elle a été republiée par Jennifer Garner, Jennifer Love Hewitt et toutes ces grandes vedettes. Je pense que c'était juste quelque chose de vraiment nouveau, et que personne d'autre ne faisait rien de semblable. »

La popularité de Frank Moyo prend de l’ampleur

Moyo poursuit sur sa lancée en écrivant des chansons éducatives en italien, qu’il interprète d’abord en classe avant de les publier en ligne. Il y a d’abord eu « The Pasta Song », puis une chanson sur la façon d’exprimer son amour en italien, ainsi que des chansons sur les fruits, les légumes et les couleurs.

Le succès est au rendez-vous, autant à l’école qu’à l’extérieur. « The Buongiorno Song », qui présente différentes salutations italiennes, a été visionnée 12 millions de fois. « Des parents venaient à l’école pour me dire à quel point ils adoraient les chansons et que leurs enfants les chantaient jour et nuit », raconte-t-il.

Conscient du potentiel de ses chansons, Frank Moyo décide de passer d’Instagram à YouTube. Il collabore avec un monteur pour créer des vidéos et des vignettes rappelant celles de chaînes éducatives populaires telles que Ms. Rachel et Super Simple Songs.

Puis un autre grand tournant se produit pour le créateur numérique : une chanson qu’il consacre à sa nonna devient virale, ce qui lui vaut une apparition à Canada's Got Talent en avril 2025. Un livre jeunesse illustré intitulé Nonna, écrit par Frank Moyo, paraît le mois suivant. « C’est une véritable célébrité en ligne, dit-il, en parlant de sa grand-mère. Elle adore ça. »

Une émission pour enfants à l’horizon?

Bien qu’il continue de se consacrer à la création de chansons éducatives en italien pour les enfants tout en enseignant à temps plein, Frank Moyo espère un jour développer une véritable émission pour enfants. Il commence à expérimenter des techniques vidéo plus avancées, comme le tournage sur fond vert, et fait appel à des illustrateurs et des animateurs pour rehausser la qualité de production de son contenu.

Sélectionné parmi les 21 créateurs de la troisième édition du Programme pilote pour la création numérique du Fonds des médias du Canada, Frank Moyo bénéficie d’une part de l’enveloppe totale de 394 000 $ distribuée cette année. Le programme vise à soutenir la croissance des créateurs de contenu numérique canadiens au milieu de leur carrière qui produisent du contenu vidéo de courte durée, exclusivement sur YouTube, Instagram, TikTok ou Facebook. Ce financement aidera Moyo à améliorer la qualité de ses vidéos et à développer sa chaîne. « À terme, j’aimerais organiser de vrais concerts pour les enfants », explique-t-il. « Je m’inspire beaucoup de Robert Munsch et de Raffi, et de ce qu’ils ont accompli au fil de leur carrière. »Alors qu’il s’investit pleinement dans le contenu éducatif pour enfants, Moyo admet avoir dû mettre de côté ses aspirations d’auteur-compositeur-interprète « pour adultes ». « Je me définis un peu comme musicien pour enfants, maintenant, dit-il. C’est difficile de revenir à ma musique d’origine, mais j’aime ça. J’adore voir le visage des enfants. »

L’un des moments forts de sa carrière a été une séance de dédicaces dans une librairie Indigo à l’été 2025. « J’ai vu tellement de familles là-bas, avec leurs enfants, leurs mamans, leurs papas, leurs grands-parents et leurs petites-filles, tous ensemble, chantant en chœur », se souvient-il. Ce fut une expérience incroyable, qui m’a donné le sentiment d’avoir une mission. »

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Le documentaire Antidiva : The Carole Pope Confessions ouvre le Festival international canadien du documentaire Hot Docs ce mois-ci. Nous avons parlé avec la réalisatrice Michelle Mama de son film, qui revient sur la vie et l’héritage de la chanteuse rock et icône lesbienne de 79 ans. Une chronique attendue depuis longtemps.

Il aura fallu six ans à la réalisatrice Michelle Mama pour mener à bien son documentaire consacré à Carole Pope, chanteuse du groupe Rough Trade.

Antidiva : The Carole Pope Confessions est un véritable projet de cœur : celui d’une cinéaste lesbienne qui retrace la vie et l’époque de la première chanteuse rock canadienne ouvertement lesbienne. C’est un film captivant, émouvant et festif, qui met en lumière une figure insaisissable. Il sera présenté en ouverture du festival Hot Docs ce mois-ci.

Nous avons discuté avec Michelle Mama alors qu’elle se préparait pour la première du long métrage, et avons abordé avec elle les défis de bien représenter la vie et le parcours d’une icône queer de 79 ans.

Comment vous est venue l'idée de faire un documentaire sur Carole Pope?

C’était en 2020, pendant la pandémie de COVID. Mon amie Allison Grace et moi étions assises sur un banc du Trinity Bellwoods Park, à Toronto, en train de discuter. J'avais fait la connaissance de Carole par l'intermédiaire d'un ami et on se disait : « C'est incroyable qu'il n'y ait pas encore de documentaire sur Carole Pope. » Comment est-ce possible? Allison me répétait : « Tu devrais le faire », et on en riait. Puis finalement, sur ce banc, elle m’a dit : « Tu vas faire ce film, et je vais t’aider. On va le produire ensemble. » Et c’est exactement ce qui s’est passé.

Avez-vous eu de la difficulté à convaincre Carole Pope de participer au film?

Non. Carole était prête; elle attendait que quelqu’un le fasse. Je crois qu’il y a eu quelques tentatives auparavant, je ne sais pas pourquoi elles n’ont pas abouti. Mais c’est une histoire qui ne demande qu’à être racontée. Nous avons cette icône de 79 ans — elle aura 80 ans en août. Elle est là. Elle est pleine de vie. Elle a toute sa tête. Elle parcourt toujours le monde avec sa valise pour donner de petits spectacles. J’avais du mal à croire que personne ne l’avait encore fait.

Et, comme cinéaste, est-ce que l’amener à s’ouvrir à vous a représenté un défi?

Carole a la réputation qu'elle a pour une bonne raison; elle ne supporte pas les imbéciles. J'en étais très consciente. Dès le départ, j'ai été très franche avec elle. Impossible d'être complaisant avec Carole : il faut aller droit au but, et c’est ce que j’ai fait. Elle savait que j’arrivais avec de bonnes intentions. Il n’était pas question d’argent ni d’exploitation — de toute façon, on sait bien que les documentaires canadiens ne nous rendent pas riches. J’étais une femme queer, devant l’une de mes idoles, en train de lui dire : « Pourquoi personne ne t’a encore rendu justice? » Et j’ai toujours l’impression que le temps file, que tout peut arriver à tout moment.

Carole Pope abordait la sexualité de front et, avec sa chanson à succès High School Confidential, elle exprimait un désir lesbien à l’état pur, révolutionnaire pour l’époque. Quelle est l’importance de cette chanson dans la culture queer?

Elle n’a pas inspiré que les personnes queers. Ces six dernières années, j’ai parlé à des mécaniciens sur l’île de Vancouver, à des gars de la construction sur la côte Est. Quand ils apprenaient que je réalisais ce film, ils capotaient. Ma plus grande surprise a été de voir à quel point les hommes hétéros sont obsédés par Carole Pope. C’est tellement intéressant, parce que si on remonte à cette époque, la moindre chanson, la moindre allusion à la sexualité suffisait à capter leur attention, non? C’était comme… tu es attirante et tu parles de sexe… à la radio!

Le documentaire rend hommage à cette icône lesbienne, mais c’est aussi une réflexion sur l’artiste vieillissante.

Et sur la femme artiste.

Oui. On voit à quel point Carole Pope travaille fort pour gagner sa vie et exercer son métier.

Mon intention était d’ouvrir le film sur un contraste frappant : Carole Pope, reine absolue, dans son petit appartement miteux à Los Angeles. C’était ça, l’idée — montrer que tous ceux qui croient qu’elle vit dans l’opulence grâce à High School Confidential se trompent. Rien n’est plus faux.

Et ce n’est pas seulement un film sur Carole Pope. C’est aussi l’histoire de Carole et de Kevan Staples, qui ont fondé le groupe Rough Trade en 1968. Est-ce que ça a été difficile pour Carole de parler de Kevan?

Je dirais que Kevan, et la ballade de l’histoire d’amour entre Kevan et Carole, constitue le cœur de Rough Trade et du film. On avait une version complète du documentaire qui ne fonctionnait tout simplement pas. Le film tenait la route, mais Carole ne se livrait pas vraiment. Alors, nous avons dû faire une ultime entrevue de deux jours, où nous sommes allés en profondeur, et j’ai dû dire à Carole : « Écoute, là, on y va vraiment. » C’était inconfortable, et durant cette entrevue, elle a admis que ses compositions n’étaient peut-être pas aussi bonnes sans Kevan dans les années 1990. C’est juste une phrase.

C’est une phrase très révélatrice.

Oui, ce qu'elle voulait dire, c'est qu'elle admettait que son meilleur travail avait peut-être été celui qu'elle avait réalisé avec Kevan. Avec le recul, se lancer en solo n'était peut-être pas la meilleure idée.

Carole Pope a-t-elle vu le film?

Oui, elle l’a vu, et elle l’aime. C’était un moment très émouvant pour elle, car Kevan venait tout juste de décéder. J’avais essayé de terminer le film à temps pour pouvoir le lui montrer à l’hôpital, mais ça n’a pas été possible. C’était une période horrible. J’ai invité Marilyn, la conjointe de Kevan, ainsi que Carole, à regarder le film ensemble dans notre salle de montage. À ce moment-là, toutes les émotions tournaient autour de Kevan, et c’était très, très émouvant. Tout le monde pleurait.

Qu’espérez-vous que le public retienne du film?

On peut regarder ce film comme un prisme, le voir sous des angles complètement différents. C'est un film sur une héroïne trop longtemps oubliée; au Canada, tout le monde sait qui est Carole Pope. Les hommes hétéros le regarderont et l'adoreront. Les jeunes homosexuels le regarderont, en tireront des enseignements et l'adoreront aussi.

Quand on parle de culture pop, on parle d’une flamme qui en allume une autre, puis encore une autre. Je suis allée voir Peaches il y a quelques semaines, et on peut tracer une ligne directe entre Carole Pope et elle. Puis arrivent ces jeunes qui font leur coming out 20 ans après Peaches. C'est une troisième génération d’artistes queers, avec Chappell Roan et Reneé Rapp. À toutes ces jeunes chanteuses fièrement saphiques, qui parlent des femmes et de l'amour entre femmes, je dis : « Voilà une véritable marraine que vous pouvez enfin rencontrer ».

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« Je vais faire rayonner la culture, c'est promis! » L’humoriste Ariane Brunet, sélectionnée pour le Programme pilote pour la création numérique du Fonds des médias du Canada, parle des nombreuses « casquettes » qu’elle porte et de son envie de rejoindre sa génération.

L’humoriste Ariane Brunet est l’une des 21 créatrices et créateurs de contenu qui se partagent une enveloppe totale de 394 000 $ dans le cadre de la troisième édition du Programme pilote pour la création numérique (PPCN) du Fonds des médias du Canada (FMC).   

Comme tous les candidats retenus, la Montréalaise de 23 ans produit des vidéos et les diffuse sur les réseaux sociaux Instagram, TikTok, YouTube et Facebook. Dans un sketch humoristique présenté en mars dernier, on la voit par exemple racheter un vieux matelas taché (et puant, semble-t-il) au comédien Pier-Luc Funk.  

Ariane Brunet, qui se définit sur Instagram comme une « femme de blagues », est suivie sur le réseau social par plus de 120 000 amateurs – une audience qui devrait continuer d’augmenter, si on en croit la principale intéressée. C’est ce à quoi va servir l’aide financière du FMC, en plus de la soutenir dans le lancement de son projet de vidéos « qui font du bien » en abordant des thèmes sociaux sous forme de scénettes humoristiques… mais pas que! 

« Je travaille sur une longue vidéo YouTube avec mon frère dans laquelle on va faire de la musique, ajoute Ariane Brunet. Ce sont des vidéos qui font du bien. C’est vraiment juste ça. Je pense que le monde a besoin d'être diverti, et les créateurs ont besoin de soutien pour pouvoir le faire, alors qu'on le fait gratuitement depuis des années. »  

Travail d’équipe

Le frère d’Ariane – qu’elle considère aussi comme son meilleur ami depuis la tendre enfance –, c’est Charles Brunet, lui aussi humoriste. C’est avec lui qu’elle a fait ses premières armes devant et derrière la caméra.  

Ariane et Charles Brunet collaborent encore à ce jour, comme dans des vidéos inspirées de leur Noël ou de leurs vacances en famille.  Le duo a d’ailleurs été en nomination au dernier Gala Les Olivier dans la catégorie de la capsule web humoristique de l’année pour la vidéo Tu croises ta psy. 

« C'est vraiment important pour moi de créer des espaces dans lesquels je peux travailler avec les gens que j'aime! » s’exclame Ariane Brunet.  

Surtout que le travail numérique est souvent solitaire, et que l’humoriste est une fille d’équipe. Pendant six mois, d’avril à septembre 2027, la subvention du PPCN lui permettra d’intégrer à son équipe solo quelques « artisans talentueux », tels que des caméramans, des directeurs de la photographie, des monteurs, des preneurs de son, des auteurs et des comédiens.

Généraliser la génération Z

Ariane Brunet gagne principalement sa vie comme stratège de contenu pour la télé. Elle ne prévoit pas mettre sa carrière de côté pour devenir humoriste à temps plein. La stratège préfère « porter plusieurs casquettes », comme celle d’autrice de série (un nouveau projet qu’elle ne peut dévoiler encore) et celle de comédienne. Ariane Brunet a d’ailleurs participé à l’émission de téléréalité Big Brother : Le Piège, en 2025.  

La création de contenu numérique est l’une de ces nombreuses casquettes, mais le terme ne plaît pas trop à la jeune femme. La création de contenu, c’est un « mot-valise », estime-t-elle.  

« Ça ne me colle pas vraiment à la peau. Moi, je suis humoriste, et ça adonne que ma pratique est numérique. Je n'aime pas beaucoup cette manière de catégoriser, même si je comprends qu’on a parfois besoin d’expliquer les choses en les mettant dans des cases. » 

Et des manières de catégoriser son travail, il y en a à la pelletée. L’humoriste ferait ainsi partie de la nouvelle culture québécoise, soit celle qu’on ne retrouve pas dans les médias traditionnels, et aussi de la génération Z, puisqu’elle est née entre 1995 et 2012. À écouter les autres générations, sa vie se résumerait au téléphone intelligent et à la pandémie, déplore-t-elle. Généraliser toute une génération, la sienne, c’est selon elle une forme de snobisme.  

« Je peux être juste une artiste! » lance Ariane Brunet. 

« On ne dira pas de France Castel qu'elle est boomer, tu comprends ce que je veux dire? » poursuit l’humoriste. 

La culture québécoise et les jeunes

Ariane Brunet en a long à dire sur l’offre culturelle traditionnelle destinée à sa génération. 

Dans une sortie remarquée en octobre 2025, Ariane Brunet dénonçait la faible présence des contenus destinés aux jeunes dans les médias traditionnels, notamment dans la grille horaire des stations de télévision. Il faut des œuvres faites par et pour les jeunes, et les rendre accessibles, martèle celle qui a grandi en écoutant Les Appendices, Le cœur a ses raisons et Les pieds dans la marge.

Pour Ariane Brunet, les gens de son âge consomment et produisent de la culture québécoise, nouvelle ou pas, mais l’offre culturelle traditionnelle n’est tout simplement pas suffisante ou même intéressante.  

« Il y a un seul show pour les jeunes, et s'ils ne l'écoutent pas, on dit : “Ben c'est ça, on a essayé!”. Le reste de la grille horaire est destiné à une tranche d'âge qui n’est pas la nôtre. Après ça, on dit que les gens s'en vont sur le Web. Oui, parce qu'il y a une offre pour eux! » souligne l’humoriste.

Avec son financement, Ariane Brunet veut produire des objets culturels drôles et accessibles à toutes les générations, à tous ceux qui savent pitonner sur un téléphone intelligent. Des vidéos qui font du bien « pour que les journées soient moins longues ». 

« Je vais faire rayonner la culture, c'est promis! » conclut l’humoriste. 

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Un studio de production d’Edmonton, spécialisé dans le divertissement pour enfants de confession musulmane, a transformé un livre numérique portant sur la route de la soie en un jeu vidéo, une série web et un long métrage. Voici comment il s’y est pris.

En 2017, la productrice, scénariste et réalisatrice Flordeliza Dayrit a commencé à écrire Time Hoppers, un livre numérique pour enfants sur l’histoire de la route de la soie et de l’âge d’or de l’Islam. Fascinée par cette période, qui s’étend du 8e au 13e siècle, elle sent qu’elle a quelque chose de spécial entre les mains. « C'est une histoire sans fin qui est pourtant assez méconnue », explique Dayrit au téléphone depuis Calgary, où elle rend visite à sa fille.

Flordeliza Dayrit s’intéresse particulièrement aux scientifiques de l’âge d’or de l’Islam, comme Al-Khwarizmi, un mathématicien né en 780, à qui l’on attribue la popularisation de l’algèbre lors de ses voyages le long de la route de la soie. L’astronome Maryam al-Asturlabi retient aussi son attention. Née en Syrie au 10e siècle, elle a inventé un instrument servant à calculer la position du soleil, des étoiles et des planètes. Puis, il y a Ibn Al-Haytham, considéré comme un pionnier de la science optique.

« Je demandais à mes amis, musulmans comme non-musulmans, s’ils connaissaient la route de la soie et ces personnages historiques, se rappelle-t-elle. Dans 95 % des cas, ils n’avaient aucune idée de ce dont je parlais. »

L’expansion de Time Hoppers

Il n’a pas fallu beaucoup de temps à Flordeliza Dayrit et à son mari Michael Milo – tous deux fondateurs de Milo Productions, à Edmonton, et de Muslim Kids TV – une plateforme de divertissement pour enfants destinée à un public musulman – pour imaginer une série et une marque autour de Time Hoppers. Le projet met en scène les aventures de quatre enfants qui voyagent dans le temps et dont la première destination est l’âge d’or de l’Islam.

« On a vu le potentiel pour quelque chose de plus grand, explique Flordeliza Dayrit. L’histoire est si vaste que ces enfants pourraient aller n’importe où, à n’importe quelle époque. »

Les personnages principaux de la série sont quatre élèves d’une école pour enfants surdoués : Abdullah, Aysha, Khalid et Layla. Ils représentent la diversité des cultures musulmanes, avec notamment plusieurs personnages portant le hijab, dont Aysha.

En travaillant sur Time Hoppers, Dayrit ne souhaitait pas seulement créer une émission amusante pour enfants, mais elle voulait aussi se voir représentée à l’écran. « En tant qu’immigrante, je regardais CBC avant et après l’école, et je me disais que ce serait bien de voir un jour quelqu’un comme moi à la télévision, raconte-t-elle. Mon objectif a toujours été de présenter des histoires auxquelles ma communauté puisse s’identifier. »

Le projet reçoit un financement conjoint du Fonds des médias du Canada (FMC) et du Shaw Rocket Fund pour la création de la websérie Time Hoppers, dont le développement se fait parallèlement à la production d’autres émissions pour Muslim Kids TV.

Puis, en 2021, Dayrit et Milo découvrent le Programme d’innovation et d’expérimentation du FMC, qui finance le développement de médias numériques interactifs, comme les jeux vidéo. Ils réalisent alors que la création d’un jeu parallèle à la websérie serait une excellente façon de bâtir la marque. « Nous avons vraiment pu créer tout un univers, explique Dayrit. Ça nous donnait la possibilité de l'élargir davantage. »

Le couple développe un prototype du jeu et le présente dans des écoles et des conférences, notamment au Kidscreen Summit. « L’intérêt était incroyable, raconte Dayrit. Les gens faisaient la file et attendaient toute la journée pour essayer le jeu. »

Sorti en 2024, le jeu a été téléchargé plus de 100 000 fois en trois mois.

De la série au long métrage

Pendant ce temps, Dayrit, Milo et leur équipe d’animateurs et de producteurs s’affairaient à la réalisation de leur série de 13 épisodes, qui a malheureusement reçu un accueil mitigé de la part des distributeurs. « Les dernières années ont été très difficiles, explique Michael Milo. Les ventes et l’intérêt des différentes plateformes et des diffuseurs ont vraiment diminué. Ils n’étaient intéressés que par les anciens droits de propriété intellectuelle, qui ne présentent aucun risque pour eux, pas par les nouvelles idées. »

Par contre, devant l’accueil très positif réservé au jeu, le duo décide, vers la fin de 2024, de réorienter son projet vers la création d’un long métrage d’animation, qui deviendra Time Hoppers : The Silk Road. « Le marché du cinéma est moins saturé, explique Milo. On a pensé qu’il y aurait peut-être un plus grand intérêt pour un film indépendant destiné aux enfants. »

Il a fallu un an et demi à l’équipe d’animation pour terminer le film. « Tous les éléments y étaient déjà, ce qui nous a permis de les réutiliser pour créer un film sans que ça nous coûte une fortune », ajoute-t-il.

Les personnages historiques qui fascinaient Dayrit sont devenus des protagonistes du film, dans lequel les quatre élèves voyagent dans le temps pour empêcher un méchant de saboter les découvertes des scientifiques. La société Milo Productions a financé le projet avec l’aide d’investisseurs privés.

Amener le film en salles

Selon Michael Milo, se tourner vers le long métrage comportait des risques, mais le pari s’est avéré payant. Le projet a d’abord suscité l’intérêt d’Italia Film International, qui distribue les films de Disney, Pixar et Marvel au Moyen-Orient. Le 30 octobre 2025, Time Hoppers a été présenté en avant-première au Moyen-Orient, notamment dans une version en arabe projetée en Arabie saoudite.

Cette première représentation a été suivie d’une sortie limitée en Amérique du Nord les 7 et 8 février 2026. Aux États-Unis, Fathom Entertainment a présenté le film dans 660 salles, tandis qu’au Canada, Landmark Cinemas l’a diffusé dans 26 salles. Time Hoppers devient ainsi le premier film pour enfants réalisé par des producteurs et des créateurs musulmans, avec une distribution majoritairement composée de personnages musulmans, à bénéficier d’une large diffusion.

Cineplex prévoit une nouvelle sortie limitée au Canada afin de s’arrimer avec les célébrations de l’Aïd après le ramadan, plus tard en mars. Une sortie est également prévue au Royaume-Uni en avril, et des lancements sont en préparation en Turquie, en Malaisie, en Indonésie et en Asie du Sud. Vision Films se chargera de la distribution après la sortie en salles sur les plateformes de vidéo à la demande transactionnelle.

Dayrit et Milo souhaitent aussi susciter l’intérêt d’une grande plateforme de diffusion en continu. « On espère que c’est dans l’univers numérique que l’on pourra rejoindre un public beaucoup plus large, qui appréciera le film », souligne Milo.

Par ailleurs, Milo Productions achève les deux derniers épisodes de la série Time Hoppers ce printemps et cet été, dans le but de diffuser la série en septembre 2026. Une fois cette étape franchie, l’équipe s’attaquera à un prochain film. Selon Dayrit, la demande est déjà forte pour la suite de Time Hoppers, en partie grâce à la fin du film qui nous laisse sur un suspense. « Tout le monde me demande quand sortira le prochain film! »

Elle est emballée par le potentiel de la franchise. « C'est un marché inexploité que nous devons conquérir, et nous savons que nous pouvons y arriver, déclare-t-elle. On a bon espoir de découvrir de nouveaux marchés et de poursuivre cette aventure. » 

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Le Québec n’a jamais été aussi présent et attendu au prestigieux festival Séries Mania, qui débute ces jours-ci en France. Des participants expliquent pourquoi le reste du monde (re)découvre le savoir-faire d’ici.

Un vent de chez nous frappe fort à l’étranger. Les séries québécoises connaissent un engouement inédit dans la francophonie. Il suffit de se transporter à Lille, en France, où se tient chaque année Séries Mania, le plus prestigieux rendez-vous dédié aux séries de fiction dans le monde, pour le constater.

L’édition 2026 – qui se déroule du 20 au 27 mars – reçoit la plus grosse délégation québécoise depuis sa création en 2010, avec quelque 120 membres de l’industrie de chez nous qui sont attendus au festival et à son volet professionnel.

Il faut dire que c’est une année faste pour les productions d’ici, avec quatre séries québécoises à l’honneur, sur un total de 51 venues des quatre coins du globe : Les Saturnides et Ayer’s Cliff sont présentées dans la catégorie Compétition Formats Courts; Bienvenue à Kingston-Falls fait sa première mondiale dans la catégorie Panorama International; et Vitrerie Joyal clôture le festival.

En comparaison, « un pays comme l’Espagne n’y présente qu’une seule série », fait remarquer François-Pier Pélinard Lambert, directeur de la rédaction du magazine Le film français et responsable de la sélection québécoise du festival. Selon lui, l’enthousiasme renouvelé des producteurs français pour ce qui se fait dans la belle province est indéniable.

Derrière l’engouement

Le succès d’Empathie n’y est évidemment pas étranger. La série acclamée de Florence Longpré a créé la surprise lorsqu’elle a été présentée à Séries Mania l’an dernier, recevant une ovation debout de 13 minutes, de même que le Prix du public. François-Pier Pélinard Lambert s’en souvient comme si c’était hier; c’est lui qui présentait la série sur la psychiatrie aux festivaliers cette journée-là. « La scène vibrait », se rappelle-t-il.

« Il y avait déjà beaucoup d'intérêt pour les séries québécoises; ce n'est pas vrai qu'il ne se passait rien avant Empathie, nuance-t-il. Mais là, il s'est passé quelque chose de très particulier. Il y a eu un emballement de la critique suivi d'un emballement des diffuseurs français, qui ont tous voulu acheter la série, et d’un succès populaire. On doit être à 11 millions de vidéos vues sur Canal+, qui a mis la main sur la série et qui coproduit la saison 2, ce qui est énorme. »

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Plusieurs facteurs expliquent la présence accrue du Québec de l’autre côté de l’océan, selon François-Pier Pélinard Lambert. D’une part, il remarque que de plus en plus de séries se produisent au Québec, notamment depuis l’arrivée de contenu original francophone sur Crave. Les séries longues sont moins nombreuses, note-t-il, mais la multiplication des séries courtes renouvèle davantage l’offre. D’autre part, l’expert observe que les professionnels québécois sont plus ouverts que jamais au marché international. « La grande force des Québécois est qu'ils sont dans la logique nord-américaine; ils sont là pour faire de la business », dit-il.

L’originalité comme atout

Qu’est-ce qui distingue la télé au Québec, qui suscite tant la curiosité des producteurs internationaux? « La série québécoise, entre guillemets, n'a rien à perdre, croit le directeur de la rédaction de Le film français. Si elle ne se distingue pas du tout-venant américain, elle n'existe pas. Donc on voit une originalité des sujets, en plus d’un talent des réalisateurs et, globalement, toujours une excellence du jeu des comédiens. »

« Originalité », voilà un terme qui revient souvent quand il est question des séries d’ici. C’est aussi celui qu’emprunte la coproductrice Isabelle Thiffault pour décrire Bienvenue à Kingston-Falls, qui sera présentée en première mondiale à Séries Mania et diffusée sur l’Extra de Tou.tv le 7 mai prochain.

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La série policière écrite, réalisée et coproduite par Robin Aubert suit le détective Gabriel Serpent (Maxime Le Flaguais) dans une enquête pour meurtre qui se déroule dans un village fictif du Québec, à une époque indéterminée. « Robin s'est inspiré de tous les archétypes et des codes des séries policières, et il les a déconstruits. Le résultat est vraiment singulier et hyper rafraîchissant. Notre série est différente, elle n'a pas de comparable », décrit Isabelle Thiffault.

Le ton est aussi très « décalé » : un mélange d’intrigue, de mystère, mais aussi d'humour noir. « Beaucoup d'humour, et une profonde humanité », ajoute la productrice associée au Groupe Encore, la boîte de production qui est aussi derrière Vitrerie Joyal, la nouvelle série de Martin Matte à venir sur Prime Video.

Ce mélange des genres est, selon Isabelle Thiffault, une force des séries québécoises : « C'est un équilibre difficile à atteindre, mais quand on le fait, on le fait bien, même si nos moyens sont beaucoup moins grands que bien d'autres pays. »

Brasser des affaires

Pour les professionnels québécois, se rendre à Séries Mania – tout comme au Festival de la Fiction à La Rochelle en septembre – offre un levier essentiel pour développer des partenariats et renforcer les modèles de financement de l’industrie. « Le fait d'être là, d'être sélectionné, c'est une chance unique de rencontrer des acheteurs et de revendre [notre série] ailleurs, soit en adaptation, soit doublée », explique Isabelle Thiffault, citant en exemple Bête noire. La série, aussi produite par le Groupe Encore, avait reçu une offre moins de 24 heures après avoir été projetée à Séries Mania, en 2021, et une quatrième saison est en préparation.

Neegan Trudel, producteur et réalisateur de la websérie Les Saturnides, présentée dans la catégorie Compétition Formats Courts à Séries Mania, voit avant tout sa première présence au festival comme une belle carte de visite. « Le marché des webséries dans le monde est quand même faible par rapport à la revente, dit-il. Mes attentes sont plus pour la suite. J'aimerais faire des séries lourdes, rencontrer de futurs partenaires financiers ou coproducteurs internationaux. Ou juste commencer à me faire connaître. »

Les Saturnides, scénarisée par Jocelyn Martel-Thibault, est un huis clos inspiré de la pandémie, qui s’intéresse à notre fatigue collective. « On se pose la question : qu'est-ce qui arriverait si une société entière manquait de sommeil? C'est une idée qu'on avait depuis un certain temps, mais qui a évolué après la Covid. On a été inspirés par la manière que la pandémie a été gérée, comment le monde interprétait un nouveau virus et l’espèce de frénésie dans les médias », détaille Neegan Trudel.

Produite par sa boîte Oraquan Médias, établie à Wendake, le thriller psychologique met en scène des Autochtones dans le rôle d’influenceurs. « On les voit dès le début dire qu’ils ne peuvent pas dormir et se demander ce qui se passe. On les écoute, mais on n’en prend pas considération. C’est un clin d’œil au fait que, quand les communautés autochtones dénoncent quelque chose, on les regarde, mais on n'agit pas souvent », poursuit Neegan Trudel, membre de la Nation wendat.

Les Saturnides n’est pas pour autant une série autochtone, précise-t-il. « C'est une tangente qu'on veut prendre de plus en plus pour sortir un peu du silo "seulement pour les Autochtones". Raconter nos histoires, mais pour le grand public. »

Son plus grand souhait à Séries Mania? Faire découvrir Oraquan Médias et que sa websérie connaisse une autre vie après le festival. Le Québec, lui, pourra la visionner à l’automne sur TV5Unis.

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Les quatre femmes à la tête du Fonds des médias du Canada, de Téléfilm Canada, du Bureau de l’écran autochtone et de l’Office national du film se sont réunies pour discuter de l’état de l’industrie médiatique canadienne lors de l’événement Prime Time, à Ottawa. Futur et médias était sur place pour recueillir leurs réflexions.

Appelons-le le grand panel médiatique canadien.

Les quatre femmes qui dirigent les organisations audiovisuelles nationales du Canada ont partagé la scène lors de Prime Time 2026, une conférence sur l'industrie audiovisuelle qui se tient chaque année à Ottawa.

Ces femmes – Valerie Creighton, présidente et chef de la direction du Fonds des médias du Canada (FMC), Julie Roy, directrice générale et cheffe de la direction de Téléfilm Canada, Kerry Swanson, présidente et chef de la direction du Bureau de l'écran autochtone (BEA), et Suzanne Guèvremont, commissaire du gouvernement à la cinématographie et présidente de l'Office national du film (ONF) – se sont réunies lors d’une séance intitulée « L'avenir du Canada : bâtir une nation créative ».

Bien que les hommes aient dominé la conférence, notamment le premier ministre Mark Carney, les producteurs exécutifs de Rivalité passionnée Jacob Tierney et Brendan Brady, ainsi que la tête d’affiche Hudson Williams, ce sont ces quatre femmes qui dirigent l'industrie médiatique canadienne.

C'est difficile de surestimer l’impact qu’elles ont eu devant un public composé de créateurs locaux et internationaux, alors qu’elles discutaient de l’état de l’industrie, de souveraineté culturelle et de l’avenir du secteur au pays.

« La chose la plus importante que le pays ait faite, c’est d’ouvrir la voie aux créateurs, a déclaré Valerie Creighton au public. Peu importe les structures, peu importe les organisations, ce pays a permis à la créativité de fleurir. Nous avons une abondance de talents créatifs et innovants. Nous sommes un pays privilégié. »

Défendre notre souveraineté culturelle

Soutenir les créateurs reste la priorité de chaque organisation, mais une préoccupation plus urgente s’est récemment imposée : la souveraineté culturelle. Créer des films, des séries télé et des récits numériques marquants, qui reflètent l’expérience canadienne, est crucial.

« L’ONF, c’est raconter des histoires canadiennes authentiques, a souligné Suzanne Guèvremont. C’est là toute la force d’avoir des documentaristes créatifs et de leur donner la possibilité de raconter leurs histoires, ce qui est fondamental pour notre souveraineté culturelle. »

« Et puis, il y a l’éducation, a-t-elle poursuivi. C’est un autre aspect du développement de notre souveraineté culturelle et de notre capacité à consommer du contenu canadien dès le plus jeune âge. C'est important que l’ONF soit présent dans les écoles du pays et ait accès à plus de 400 000 enseignants. Nous sommes présents auprès des enfants dans les salles de classe et nous aidons à développer leur appétit pour notre contenu de grande qualité. »

Julie Roy a expliqué comment, au fil des ans, Téléfilm a bâti la réputation internationale du Canada. « C'est très puissant et très fort, a-t-elle déclaré. Nous avons conclu des accords de coproduction avec 60 pays. Ça montre que le Canada est attrayant et que les gens veulent travailler avec nous. »

Pour le BEA, la souveraineté culturelle s’inscrit dans une perspective bien particulière : « Le BEA a été fondé il y a huit ans dans le but de favoriser la souveraineté narrative des créateurs des Premières Nations, des Métis et des Inuits au Canada, a expliqué Kerry Swanson. Ce mandat est au cœur de notre mission. Mais qu’est-ce que ça signifie? »

« En fin de compte, c’est la liberté de raconter des récits comme on le souhaite, d’avoir le contrôle sur ces récits et de ne laisser personne vous les enlever, ce qui a été le cas dans l'histoire de ce pays. Concrètement, ça veut dire pour nous que les créateurs autochtones détiennent la majorité des droits de propriété intellectuelle et que deux des trois rôles créatifs clés d'un projet sont occupés par une personne autochtone. »

« Et maintenant que le Canada traverse une sorte de crise où on s'interroge sur ce que ça veut dire être souverain et qu’il se sent menacé, je pense que, pour la première fois, les Canadiens comprennent ce dont nous parlons depuis longtemps, a poursuivi Kerry Swanson. Vous comprenez maintenant pourquoi on peut se battre pendant 200 ans pour préserver ses histoires, sa liberté et sa souveraineté. »

Tisser des liens avec le public

Développer et porter des histoires d'ici à l’écran ne suffira pas si ces histoires ne trouvent pas d’écho auprès du public.

« Je sens que si nous n'invitons pas le public à participer à la conversation, nous passerons à côté d'une opportunité, a déclaré Julie Roy. L'environnement a beaucoup changé et on constate que les grandes plateformes influencent la visibilité, que les algorithmes façonnent la découvrabilité, et que maintenant l’IA influence même la manière dont nous accédons au contenu. Alors, que faire avec le public? On doit élaborer une stratégie nationale en matière d'audience. »

« Le travail que nous avons accompli ensemble pour NOUS | MADE à travers le pays portait justement sur le public, a expliqué Valerie Creighton en référence à la campagne menée depuis plusieurs années par le FMC pour promouvoir les productions de chez nous. Il s'agissait de notre industrie et de nos succès, mais surtout de créer un lien avec le public, et ça fonctionne plutôt bien jusqu'à présent. »

« Si la créativité est au rendez-vous, si les histoires sont fortes, si les créateurs et les producteurs ont la liberté de raconter ces histoires, c’est ce qui attirera le public. »

Préparer l'avenir ensemble

Les quatre organisations sont confrontées à de nouvelles technologies et à de nouveaux services qui ne cadrent pas avec des structures et des politiques obsolètes. Unir leurs forces pour assurer un secteur médiatique canadien solide, aujourd’hui et demain, est donc essentiel.

« On ne peut plus travailler en silo, a fait remarquer Julie Roy. Nous devons travailler en partenariat, et je pense que c'est comme ça que nous construirons l'avenir. »

« Si nous pouvions réfléchir ensemble à ce que chacun peut apporter à l'avenir, ce serait une approche très différente, a affirmé Valerie Creighton. La première chose à faire est de voir comment gagner en flexibilité, comment éliminer les obstacles et les contraintes. Ils ont été créés il y a longtemps, dans un monde qui n’est plus le nôtre. On le constate dans les médias numériques interactifs, on le voit dans des domaines comme la réalité virtuelle, le jeu vidéo et le divertissement immersif. »

« Ce qui se passe dans ce pays est tout simplement passionnant, a ajouté celle qui est à la tête du FMC. Pour ma part, je ferai tout ce qui est en mon pouvoir pour ne pas m'accrocher au passé et réfléchir à la manière dont nous pouvons tirer parti de cette situation et faire un bond en avant. Ce ne sera pas facile, mais ce sera amusant. »

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Voilà quelques années que le documentaire de réalité étendue (ou XR pour extended reality) offre des expériences immersives au public, en le plongeant directement dans des récits via des technologies, comme la réalité virtuelle ou augmentée. Comment se porte aujourd’hui le genre? Des créateurs se prononcent.

Traces : Le processeur de peine, présentée au festival South By Southwest en mars dernier puis aux Rencontres internationales du documentaire de Montréal (RIDM) en novembre, est une expérience documentaire interactive en réalité virtuelle partagée (LBVR), qui explore le deuil.

Avant d’enfiler le casque de réalité virtuelle, les visiteurs sont invités à soumettre un souvenir textuel, visuel ou sonore lié à la perte d’un être cher. Ils pénètrent ensuite en petit groupe dans une forêt virtuelle, guidés par la réalisatrice Vali Fugulin et le comédien Stéphane Crête, aussi spécialiste des rites funéraires. En cours d’expérience, ils pourront interagir avec l’objet de leur deuil, puis livrer un témoignage qui sera archivé dans l’univers de Traces.

« La frustration que j'ai souvent vécue [en expérimentant une œuvre immersive], c'est qu'on me mettait face à quelque chose qui se déroule dans le présent, mais qui a été réfléchi par quelqu'un d'autre », explique Vali Fugulin aux RIDM, où des documentaristes XR ont discuté des vertus, mais aussi des périls de leur pratique.

« En tant que documentariste, mon obsession personnelle est devenue d’intégrer le réel dans une expérience en temps réel. En créant Traces, mon souhait était que les gens puissent amener leur histoire dans mon histoire », résume-t-elle.

La cinéaste française Emeline Courcier place elle aussi son récit personnel au cœur de son œuvre. Dans son installation vidéo Burn from Absence, qui est présentée à la Place des Arts et au PHI Studio à Montréal jusqu’au 15 février, la documentariste utilise l’intelligence artificielle pour recréer des souvenirs de famille perdus, après qu’un membre ait brûlé toutes les photos familiales au Vietnam, en 1975.  

Les utilisateurs entendent de vrais témoignages audio tout en visionnant une recréation visuelle de souvenirs générés par l’IA. « Chacun a la perception de son propre vécu; certains témoignages se contredisent. En fin de compte, c'est au spectateur de décider s’il regarde une œuvre qui est vraie ou fausse », dit la créatrice, aussi présente à la conférence La mémoire à l’ère de la narration numérique présentée aux RIDM.

Accéder à l’inaccessible

Le documentariste marseillais Ugo Arsac, lui, dit utiliser la narration numérique à d’autres fins : il voit dans le médium une voie de passage pour découvrir un réel généralement inaccessible au commun des mortels.  

Un de ses projets se glisse dans les souterrains de Paris (IN-URBE), un autre dans les maisons closes de Marseille (Girlfriend Experience). Son projet ENERGEIA, qui a été présenté aux RIDM, se déroule dans le décor virtuel post-apocalyptique de vraies centrales nucléaires françaises. « C'est une sorte de jeu vidéo expérimental, décrit à son tour Ugo Arsac. On se balade à l'intérieur de ce documentaire 3D. Il n'y a pas de début, pas de fin. On entre quand on veut, on en sort quand on veut. »  

L’utilisateur va à la rencontre d’experts réputés, qui se contredisent sur les questions énergétiques. « Dans n'importe quel de mes projets, j'essaie de ne pas donner ma vision des choses, affirme le documentariste. Je préfère présenter des personnes qui se contredisent suffisamment avec leur vision propre. Ça laisse au public la possibilité de se faire son avis personnel. »

Les risques du documentaire XR

Bien qu’il ait décidé de pleinement adopter le médium, Ugo Arsac reconnaît que l’utilisation de la narration numérique présente des risques. « La réalité virtuelle a un pouvoir différent du documentaire [traditionnel]. Un documentaire garde une place cérébrale; on s'en rappelle dans la tête. La réalité virtuelle, elle, donne aussi accès à une mémoire physique, située dans l’oreille interne. Le souvenir se fige dans une autre sorte de mémoire. »  

Les expériences de réalité étendue sont même réputées provoquer des réactions émotives fortes, parfois inattendues. « Il y a le risque que l’expérience elle-même crée un trauma », va-t-il jusqu’à dire. 

Emeline Courcier a choisi d’abandonner un projet immersif sur l’inceste pour ce genre de considération. « Une expérience immersive permet d’inclure le spectateur, tout en l’amenant à se positionner face à un contexte difficile. En même temps, qui voudrait être plongée dans une telle expérience cauchemardesque? »  

La documentariste se demande si le jeu en vaut la chandelle : « Qu'est-ce qu’une œuvre d'art, s'il n'y a personne qui la reçoit, s'il n'y a personne pour la partager et créer un dialogue? Je trouve ce type d'engagement physique et mémoriel du spectateur un peu risqué [dans le contexte d’une histoire sur l’inceste]. » 

Avec son œuvre immersive Traces, Vali Fugulin a pu mesurer le pouvoir émotif de ce médium de manière très concrète. « Même si on essaie de préparer les gens en amont, on ne contrôle pas complètement la charge émotive. Il y a des gens qui ont des réactions très fortes, même si on a tout fait pour la tempérer. Par moments, c'est vrai que ça peut nous dépasser. »

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Akashi a été présenté pour la première fois au Festival international du film de Vancouver plus tôt cette année, où il a remporté le prix du public dans la série Northern Lights. Rencontre avec la scénariste, réalisatrice et interprète principale du film, Mayumi Yoshida, pour parler de son incursion dans la réalisation d’un premier long métrage.

« Toute ma vie, j’ai eu peur d’oublier », confie Mayumi Yoshida lors d’une conversation sur Zoom. « Il y a une partie de moi qui a peur de laisser aller et de dire au revoir, mais c’est la nature de la vie. Il faut être capable d’avancer. » 

L’actrice, scénariste et réalisatrice basée à Vancouver a toujours cherché à se souvenir et à documenter le monde qui l’entoure. Aujourd’hui, elle puise dans sa propre histoire pour un premier long métrage, Akashi. Présenté pour la première fois au Festival international du film de Vancouver en octobre dernier, il a été nommé favori du public dans la série Northern Lights. Akashi a ensuite remporté le prix du meilleur premier long métrage au Festival international du film Reel Asian de Toronto, ainsi que le prix Borsos du meilleur long métrage canadien au Festival du film de Whistler. 

Libre­ment inspirée de la vie de Yoshida, cette œuvre suit Kana (interprétée par Yoshida), une artiste de Vancouver dont le retour au Japon pour les funérailles de sa grand-mère se transforme rapidement en un voyage intime au cœur de l’identité, de l’amour et du deuil. En surmontant sa peine aux côtés de sa famille, Kana découvre un secret sur son grand-père, et renoue au même moment avec son ex-petit ami. Les effets oniriques du film brouillent les frontières entre passé et présent : la vie actuelle de Kana, ses souvenirs d’enfance et le passé de ses grands-parents se tissent ensemble alors qu’elle tente de comprendre les multiples définitions de l’amour. 

Yoshida travaille sur ce projet depuis une dizaine d’années, d’abord sous la forme de pièce de théâtre, puis comme court métrage (sorti en 2017), et aujourd’hui comme long métrage, lequel est financé par Téléfilm et le Fonds des médias du Canada. 

Le film passe du noir et blanc pour le présent de Kana à des couleurs riches et saturées pour les scènes rappelant la vie de son grand-père. Pourquoi avez-vous fait ce choix? 

Je voulais que les problèmes contemporains de Kana soient perçus comme des difficultés intemporelles. En réalité, il s’agit d’une crise d’identité et d’appartenance, et de connexions manquées avec des personnes qui auraient pu occuper une place importante dans sa vie. Ça peut sembler insignifiant comparé à l’histoire d’amour de plusieurs décennies [de son grand-père], mais quand on le vit, c’est vraiment gros. En épurant les images et les couleurs, on se concentre davantage sur l’histoire. Et j’adore la manière dont la cinématographie en noir et blanc, avec ses formes et ses ombres, reflète la peur, l’angoisse et le mal-être de Kana. Montrer le Tokyo d’aujourd’hui en noir et blanc était aussi une façon de m’éloigner de l’image des néons éclatants et de la frénésie souvent associés au Japon, afin de révéler une énergie plus profonde et ancrée. 

Pour les souvenirs du grand-père, je voulais une atmosphère saturée, empreinte de réalisme magique. Quand on repense aux jours où nous avions l’impression de vivre les meilleurs moments de notre vie, tout nous paraît vibrant, comme infusé de nostalgie. On ne garde que des fragments de ces souvenirs, mais on se souvient des sensations et on revit ces moments à travers son expérience. 

Vous utilisez à la fois la symétrie et l’immobilité dans le visuel du film. Pourquoi? 

J’aime beaucoup la symétrie, mais j’aime aussi quand la caméra se contente d’observer — une inspiration des réalisateurs japonais Ozu et Kore-eda. Il n’y a pas de mouvement forcé de la caméra, et on peut voir les personnages se déplacer dans l’espace. Dans cette maison familiale, on ressent à la fois l’absence et la présence des gens. Le même lieu, traversé par différentes époques et différentes personnes, a une énergie complètement différente. C’est aussi ça, la beauté du temps qui passe. Je voulais montrer que la vie continue, tout simplement. On ne peut pas arrêter le temps, mais certaines choses demeurent, d’autres s’effacent. Et c’est très bien comme ça.

Le film regorge aussi de textures, comme les pièces de tissu sur le manteau de Kana. Utilisez-vous la texture pour remplacer l'absence de couleurs? 

J’adore la mode, donc je trouvais naturel que Kana, en tant qu’artiste, ait un style bien affirmé… Son manteau est fait de six denims différents, et il est très lourd. Notre incroyable costumière, Tammy Joe, a eu cette super idée — et si nous confectionnions ce manteau à partir de plusieurs morceaux ? Le denim rappelle le Canada, mais ici, il est fabriqué de pièces variées, tout comme Kana, qui est multidimensionnelle, multiculturelle. Plein de parties d’elle qui sont cousues ensemble.

En 10 ans, ce projet est passé de pièce de théâtre à court métrage, puis à long métrage. Comment Kana a-t-elle évolué au fil du temps? 

Mon personnage a évolué à mesure que je grandissais comme cinéaste et comme femme. J’ai écrit la première version au début de ma trentaine, donc mes préoccupations de l’époque n’étaient plus les mêmes quand nous avons tourné, au milieu de ma trentaine. Je mettais constamment le personnage à jour selon où j’en étais, puis à 35 ans, j’ai compris qu’il fallait arrêter l’évolution de Kana et la laisser exister, telle qu’elle était. C’était vraiment libérateur de me détacher du personnage. 

Qu’avez-vous appris sur vous-même comme conteuse et comme artiste? 

À travers l’écriture et la réalisation, j’ai compris que j’avais une perspective particulière que je pouvais apporter dans tout ce que je raconte. Plus je partage mes histoires, que je les fais voyager dans les festivals et que j’entends les réactions du public, plus je réalise à quel point cette perspective est unique. C’est une façon de créer des liens avec beaucoup de gens. C’est très gratifiant. 

Quels nouveaux thèmes ou projets pourraient vous attirer à l’avenir? 

Je suis vraiment attirée par l’intersectionnalité. J’adore ça parce que je pense que je vis dans un entre-deux. J’ai toujours aimé mélanger des éléments qui semblent très différents, mais qui sont en réalité si semblables. Ce sont des thèmes qui m’inspirent. Pour l’instant, j’ai en tête quelque chose qui se déroulerait au Japon, à cause de mes racines, mais je reste fascinée par ces projets où l’on mélange différentes cultures, différentes générations, et où l’on s’intéresse aux angles morts. 

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Les jeux vidéo les plus populaires au Canada ne sont pas les jeux de tir à la Fortnite, les mondes ouverts comme Grand Theft Auto ou les franchises de sport telles que NHL 26, mais plutôt… les jeux de puzzle comme Wordle, Tetris et Jeopardy!. Une tendance qui ne surprend pas les développeurs de l’industrie.

Une nouvelle étude, publiée en octobre 2025 par l’Association canadienne du logiciel de divertissement (ALD), dévoile que les jeux de réflexion comme Tetris, Sudoku et Wordle sont les plus populaires chez les joueurs canadiens de plus de 16 ans.

Selon le rapport intitulé « Le pouvoir du jeu », 59 % des répondants ont indiqué que les jeux de casse-tête étaient le genre auquel ils avaient « joué le plus régulièrement au cours de la dernière année », comparativement à 39 % pour les jeux d’action et à 30 % pour les jeux d’habileté et de chance. (Les répondants ont reçu une liste de catégories de jeux et ont été invités à sélectionner tous les genres auxquels ils jouent régulièrement, ce qui explique pourquoi le total dépasse 100 %.) Moins prononcée, la même tendance est observée au Québec : 46% des sondés ont un penchant pour les jeux cognitifs, tandis que 40% aiment mieux l’action.

Les jeux de réflexion – le nom donné aux puzzles dans la version française du rapport – comprennent dans l’étude un large éventail de sous-genres, comme les jeux d’association (Candy Crush, Tetris), les casse-têtes cognitifs et les jeux de mots (Sudoku, Wordle), les casse-têtes basés sur la physique (Angry Birds), les jeux éducatifs (ABCmouse) ainsi que les jeux-questionnaires (Jeopardy!).

Une pause appréciée

La tendance ne surprend pas Lukas Steinman, cocréateur du jeu A Little to the Left et cofondateur du studio néoécossais Max Inferno Games. Selon lui, ce type de jeux représente un contrepoids à la vie numérique effrénée des joueurs et à leur emploi du temps chargé. « Les jeux de réflexion nous permettent de ralentir, de nous concentrer sur une seule tâche à accomplir et de ressentir cette pointe de fierté quand on trouve la solution », dit-il.

« Les joueurs recherchent quelque chose qu’ils peuvent terminer rapidement; une tâche unique et intentionnelle plutôt qu’un défilement sans fin », opine Mark Rogers, cocréateur du jeu de mots sur le Web Canuckle, un titre qui offre un mot typiquement canadien à deviner par jour, gratuitement, à la manière de Wordle, du New York Times.

Plus de 230 millions de parties de Canuckle ont été jouées depuis son lancement, en février 2022, et environ 50 000 joueurs – principalement canadiens – y jouent chaque jour. Pour Mark Rogers, les jeux de mots quotidiens comme Canuckle sont carrément devenus « des pratiques modernes de bien-être numérique ».

Derrière leur popularité

Si les jeux de réflexion ont tant la cote, c’est aussi en raison de la popularité des jeux mobiles, selon Jason Kapalka, fondateur du studio de la Colombie-Britannique Blue Wizard Digital.

« Les puzzles sont mieux adaptés aux téléphones que d’autres genres, comme les jeux de tir à la première personne », estime celui qui a aussi cofondé le studio PopCap Games, et qui a vécu cette transition de près en lançant des jeux comme Bejeweled et Plants vs Zombies.

Le marché suit également les changements démographiques observés chez les joueurs, qui sont de plus en plus âgés. « Les gens qui commencent à jouer à la retraite n’ont pas envie d’un jeu de tir ou d’un jeu compétitif. Ils veulent des jeux stimulants et sociaux, qu’ils peuvent jouer avec leur famille », constate Carina Kom, cofondatrice du studio indépendant Simply Sweet Games, dont le premier titre, le jeu de puzzles et de mots Criss Cross Castle, a récemment été lancé en version anticipée.

La popularité du genre auprès des femmes compte aussi pour beaucoup. « Plus de la moitié des joueurs sont des femmes, et 75% des personnes qui jouent aux jeux de casse-tête sont des femmes », rappelle la PDG de Simply Sweet Games, Tina Merry.

L'attrait pour les petits studios

Les jeux de réflexion représentent souvent une option attirante pour les studios indépendants. « Ils sont relativement simples à concevoir et demandent très peu de ressources techniques dans la plupart des cas, ce qui permet d’y jouer même sur des appareils peu puissants et d’atteindre un public plus large que les jeux vidéo "traditionnels" », estime Lukas Steinman.

Leur jeu, A Little to the Left, a d’ailleurs été vendu à 2,5 millions d’exemplaires, et ses contenus téléchargeables ont été achetés 1,5 million de fois. Selon Lukas Steinman, le jeu a connu « un bon retour sur investissement ».

« Même un petit jeu de puzzle peut avoir un grand impact. Une petite idée créative et bien exécutée peut réunir des joueurs des quatre coins du monde », renchérit le cocréateur de Canuckle, Mark Rogers.

Les jeux de réflexion permettent d’ailleurs d’innover. Sur le marché, on voit des jeux originaux émerger, comme Slayaway Camp 2, qui mélange la réflexion et l’horreur, et qui se présente sur Steam comme le « jeu de casse-têtes le plus violent de tous les temps ».

Même s’ils sont plus simples à concevoir, il reste que développer un jeu représente toujours un défi. Parlez-en à Tina Merry, PDG de Simply Sweet Games : « On a choisi ce genre parce qu’on pensait que ce serait facile, mais on avait tort! Créer un nouveau jeu, peu importe lequel, exige une nouvelle propriété intellectuelle, une nouvelle équipe à bâtir et une nouvelle technologie à créer », lance-t-elle.

N'empêche, selon elle, les jeux de réflexion peuvent représenter une bonne occasion d’affaires; leur marché est évalué à 30 milliards de dollars américains dans le monde, d’après les données compilées par Simply Sweet Games. « Tout ce qu’il faut, c’est trouver une petite portion du marché qui recherche ce qu’on a à offrir », estime Tina Merry.

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Avec son premier long métrage Dinner With Friends, la scénariste, réalisatrice et productrice prouve qu’il est possible de voir grand avec un tout petit budget.

Les créateurs peuvent trouver leur public sans passer par les distributeurs traditionnels. La vague de succès d’ici comme Rivalité passionnée et Paying for It, ainsi que le film Iron Lung du youtubeur américain Markiplier – qui a rapporté plus de 40 millions $ US avec un budget de 3 millions $ – sont de bons exemples.

Sasha Leigh Henry voulait plus de liberté après son dernier projet, la série Bria Mack Gets a Life, qui a été annulée après une seule saison, même s'il avait remporté le prix de la meilleure série humoristique aux prix Écrans canadiens 2024. Elle a donc décidé d’emprunter la voie de l’autodistribution pour son premier long métrage, Dinner With Friends. Le film suit huit amis de longue date, tous trentenaires, qui se réunissent régulièrement autour d'un repas dans le but de rester proches.

Réalisé avec un microbudget de 100 000 $, le film a été présenté en avant-première au Festival international du film de Toronto (TIFF), puis a fait la tournée des festivals, avant que Sasha Leigh Henry et sa coscénariste et partenaire chez Everyday, People Art + Film Productions, Tania Thompson, ne décident de le vendre directement au public via leur Patreon. Elles ont ensuite conclu un accord avec Filmhub pour élargir leur public dès ce mois-ci.

Bria Mack Gets a Life a été annulée après une seule saison, même si elle a été sacrée meilleure série humoristique aux prix Écrans canadiens. Quel problème cherchiez-vous à résoudre en réalisant Dinner With Friends avec un si petit budget?

Avant tout, c’était une question d’accomplissement créatif. La bénédiction et la malédiction de Bria, c’est qu’on a frappé fort dès le départ, mais qu’il a fallu quatre ans avant que des personnes autres que celles qui ont travaillé sur la série et qui l'ont approuvée puissent la voir. Quatre ans sans pouvoir rejoindre un public, c'est long pour un artiste.

Après le succès critique de Bria, je recevais plus de propositions pour la télévision, parce que l'industrie veut que vous fassiez ce qu'elle vous a déjà vu faire. J’ai plein d’histoires à raconter, et je ne pouvais pas attendre encore trois ou quatre ans avant que vous n’entendiez parler de moi.

Dinner With Friends est donc le projet évolutif qu'on a écrit et gardé en réserve en attendant, pour que les décisions de financement ne soient pas déterminantes pour notre avenir.

Le film a été présenté comme un long métrage à microbudget de 100 000 $, mais le budget final se rapproche plutôt de 200 000 $. Pouvez-vous nous éclairer à ce sujet?

On a commencé le tournage avec seulement 100 000 $. On aurait pu livrer une version du film très proche de celle que nous avons avec ces 100 000 $. C'est pourquoi nous avons commencé avec ce budget, car c'était le pari que les acteurs et l'équipe technique acceptaient de prendre.

On a appliqué au programme Talents en vue de Téléfilm en nous disant que si nous l’obtenions, tant mieux, notre budget passerait à 350 000 $. Sinon, nous terminerions quand même le film avec 100 000 $. Nous avions déjà réuni ce montant grâce à des investissements personnels et au soutien du Conseil des arts du Canada et du Conseil des arts de l’Ontario. On a procédé ainsi parce que le but était justement de ne plus attendre.

Vous n’avez pas eu l’argent de Talents en vue, mais vous avez tout de même reçu 100 000 $ supplémentaires de Téléfilm. Comment cet argent a-t-il été utilisé?

Le montant est principalement allé à la postproduction. Il nous a aussi permis de rémunérer certaines personnes beaucoup plus près de leurs tarifs habituels, plutôt que de leur demander de travailler pour un cachet de base avec la promesse d’une prime ultérieure.

Une partie du budget a servi à résoudre des problèmes parce que nous n’avions pas de superviseur à la postproduction et que certaines choses se sont révélées plus complexes que prévu. La musique a aussi été une dépense importante; elle peut facilement engloutir de 30 à 40 % des 100 000 $.

Vous avez tourné en neuf jours seulement. Comment avez-vous réussi à respecter le calendrier?

Grâce à la préparation et à l'honnêteté. Je pense que nous entretenons le mythe du réalisateur visionnaire intransigeant qui refuse tout compromis. Avec un budget de 100 000 $, cette approche aurait épuisé tout le monde.

En tant que productrice-réalisatrice, j'ai promis à l'équipe que ce serait exigeant, mais pas misérable; ambitieux, mais réalisable. Avec un tel budget, c’est injuste d'exposer sa vision, d’entendre des chefs de département expérimentés expliquer pourquoi elle n’est pas viable dans ces conditions, puis de leur demander de trouver une solution. Si je ne peux pas fournir les ressources nécessaires pour accomplir ce que je demande, c'est à moi de m'adapter.

Est-ce que certaines contraintes de production ont finalement influencé le film de manière positive?

Pour moi, c’est au réalisateur de trouver comment raconter l’histoire visuellement d’une manière qui reflète la personnalité des personnages. J’adore ce genre de film. J’adore les bonnes scènes de repas.

Ce qui nous a aidés, c’est d’accepter pleinement les contraintes et de les laisser nourrir notre créativité. Il y a sept repas réunissant en grande partie les mêmes personnes. On s’est donc demandé comment donner à chaque repas sa propre ambiance, sa propre importance. Quelle est la fonction de chacune de ces scènes? Comment jouer avec la caméra pour les mettre en valeur?

Il y a une séquence de repas inspirée du « cercle de fumeurs » dans la série That ’70s Show, sauf qu'on a inversé l’énergie. On voit le groupe, mais de manière fragmentée, isolée, au moment où il commence à se fissurer. Ça donne une nouvelle tension.

À quel moment le TIFF est-il devenu votre objectif?

Le TIFF était un objectif, mais ce n’était pas une question de vie ou de mort au départ. La date limite du TIFF tombe en mai, ce qui s’intègre bien au calendrier canadien, où l’hiver est souvent consacré au montage. Ça nous donnait une marge de manœuvre pour voir jusqu’où nous pouvions aller et évaluer ce que nous avions en main.

En avril, j’ai senti que nous avions une réelle chance et que le film correspondait à l’esprit du TIFF, à ce qu’ils aiment promouvoir. On a donc redoublé d’efforts.

Après le TIFF, plusieurs cinéastes chercheraient un distributeur traditionnel. Vous êtes une réalisatrice établie, avec de l’expérience et une certaine influence, et pourtant vous avez choisi de tout faire par vous-même. Pourquoi?

On ne pensait pas recevoir d'offres intéressantes. L’un des grands avantages d’un film réalisé avec un tel budget, c’est que nous n’avons pratiquement pas de dettes; on n'est donc pas contraints d’accepter une entente. Si quelqu’un offre 20 000 $, sans qu’on ait confiance en la viabilité du film à long terme, ce n’est pas très attrayant. On a déjà produit la bande-annonce et conçu une bonne partie des affiches à l’interne.

Même si nous ne devions finalement pas gagner beaucoup d'argent, le fait d’avoir un accès direct aux données et à notre public a une réelle valeur, en plus de nous enseigner ce qui ne fonctionne pas.

Quelle est la prochaine étape pour le film et pour votre société de production, Everyday, People?

On développe l'écosystème de Everyday, People et on poursuit notre approche stratégique pour la sortie du film. On travaille avec Filmhub, donc le film sera disponible sur demande en février… aux États-Unis et ailleurs dans le monde. On explore aussi des options par abonnement et financées par la publicité.

Sur le plan créatif, on écrit un thriller d'action pour jeunes adultes et une comédie dramatique romantique à deux personnages mettant en scène un couple d'artistes séparé depuis des années, qui se retrouve lors d'un voyage touristique au Japon. Ce ne sont pas des films à microbudget, mais ils restent modestes par rapport aux normes de l'industrie. Quand on atteint les millions, on fait affaire avec des investisseurs qui veulent un retour sur investissement. Cette année, l’un de nos objectifs est de mieux comprendre le film comme produit dans un marché, et non seulement comme œuvre créative. Avec Dinner With Friends, on veut apprendre comment un investisseur peut récupérer son argent. C'est dans cette direction que nous allons.

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Les créateurs de Rivalité passionnée (Heated Rivalry), Jacob Tierney et Brendan Brady, ainsi que les vedettes Hudson Williams et Sophie Nélisse, dévoilent les coulisses de la série ultrapopulaire.

Le succès de Rivalité passionnée est tout simplement phénoménal – et, disons-le, quelque peu surprenant.

Une série fortement suggestive où deux joueurs de hockey queer entretiennent une relation secrète et tombent amoureux, c'est du jamais-vu. C’est précisément pour cette raison que le scénariste, réalisateur et producteur Jacob Tierney ainsi que son partenaire de production Brendan Brady ont décidé de la créer.

À lire aussi : Rivalité passionnée : une histoire d’amour sur glace

Cette histoire tenait la route pour Tierney, un vétéran de l’industrie cinématographique et télévisuelle canadienne, qui se trouve à être aussi un homme gai et un passionné de hockey.

« C’est mon algorithme », a-t-il lancé lors d’un panel tenu à Ottawa le mois dernier, dans le cadre de Prime Time, la conférence organisée par l’Association canadienne des producteurs médiatiques. Sur scène, Jacob Tierney était accompagné de son ami de longue date et coproducteur Brendan Brady, avec qui il a fondé Accent Aigu Entertainment, il y a quelques années.

Le duo parlait à un public attentif de créateurs canadiens et internationaux, curieux de comprendre comment ils ont réussi l’impossible : créer un méga succès mondial.

Non seulement la série est devenue la production originale la plus regardée sur Crave, mais elle s’est aussi imposée comme un véritable phénomène international. Les auditeurs du monde entier ont passé des millions de minutes (le chiffre approche le milliard!) à regarder cette série. Elle connaît un énorme succès sur HBO Max et a dominé les palmarès en Australie, aux Philippines, à Singapour et à Taïwan. Ses têtes d’affiche, Hudson Williams et Connor Storrie, sont devenues des vedettes sur les réseaux sociaux et, d'ici l'été, vous entendrez « I'm coming to the cottage » (Je viens au chalet) en boucle.

Mais ce qui ressort de leurs propos n’est pas tant la volonté de reproduire une telle réussite. Ils cherchent plutôt à donner un aperçu de leur éthique de travail, qui peut servir de feuille de route à d’autres créateurs cherchant à réaliser des productions de grande qualité et capables de séduire un public à l'international.

LA PROPRIÉTÉ INTELLECTUELLE AVANT TOUT

Tout commence par une histoire, ou dans le cas de Rivalité passionnée, par le droit de propriété intellectuelle (PI).

« Brendan et moi venions de créer notre entreprise et on était très conscients que le nerf de la guerre, ce sont les droits de propriété intellectuelle, explique Jacob Tierney. Tout le monde en a besoin, mais comment une nouvelle boîte de production sans moyens peut-elle en faire l’acquisition? »

« Les propriétés intellectuelles que des producteurs comme Brendan et moi pouvions nous permettre à ce moment-là étaient des titres peu convoités. Et il y en a énormément; il suffit de se tourner vers les communautés marginalisées qui ne sont pas représentées dans le divertissement grand public », poursuit-il.

« J'ai donc appelé Brendan et je lui ai dit que nous devrions acheter les droits de ce livre, et par ce livre, je voulais dire ces livres, car il y en a beaucoup. J'ai ensuite suivi Rachel Reid, l'autrice, sur Instagram, et elle m'a suivi en retour. Je lui ai envoyé un message privé, du genre : “Salut!”, et on connaît la suite », raconte-t-il en riant.

« Nous avons ensuite proposé une solution pour y parvenir, ajoute Brendan Brady. Une bonne façon pour notre industrie de limiter les coûts de production télé. Nous avons tenté quelque chose d’audacieux : tourner les six épisodes en un seul bloc, avec un seul réalisateur et un seul scénariste, comme s’il s’agissait d’un film. »

Bell Média, Sphere Abacus et le Fonds des médias du Canada ont apporté un financement majeur au projet. « Ce système de financement est ce qui maintient la télévision canadienne en vie, affirme Jacob Tierney. Et pour une série comme Rivalité passionnée, qui n’était pas un pari évident pour qui que ce soit, nous ne serions tout simplement pas ici sans eux. »

TOURNER SANS S’ÉPUISER

Jusqu’ici, la liste va comme suit : trouver un titre de propriété intellectuelle prometteur, planifier une préproduction rigoureuse et s’entourer de partenaires financiers qui comprennent notre vision. S’ajoute le respect de la distribution et de l’équipe, en adoptant des horaires de travail raisonnables.

« Nous avons tourné la série en 36 jours, principalement avec des journées de 10 heures. Je ne dirais pas que chaque journée faisait exactement 10 heures, nuance Brendan Brady. L'une des choses qui, selon moi, doivent radicalement changer dans notre industrie, c'est justement de mettre fin à ces horaires démesurément longs. »

« Ma conjointe est assistante costumière et elle est enceinte de cinq mois, enchaîne-t-il. Elle ne peut pas passer 15 heures par jour sur un plateau pendant sa grossesse. Et ce ne sera pas possible non plus quand nous aurons un enfant. Il faut mettre fin à ces horaires insensés. »

Au-delà de la qualité de vie, le producteur souligne aussi la logique financière. « D’un point de vue budgétaire, ça a beaucoup plus de sens. Quand on prévoit des journées de 10 heures et qu’on déborde à 12 ou 13 heures, on finit par payer pour une journée supplémentaire. On l’oublie souvent. Je comprends que l’équipement coûte cher, je comprends que l’hébergement de l’équipe représente une dépense importante. Mais au Canada, on ne pourra jamais rivaliser avec les budgets américains. Par contre, nous pouvons offrir un environnement de travail où les gens ont réellement envie de se présenter. »

CHOISIR L’AMOUR

Plus tard dans la soirée, Jacob Tierney, Brendan Brady et les interprètes de Rivalité passionnée, Hudson Williams et Sophie Nélisse, se sont retrouvés lors d’un événement surprise consacré aux coulisses de la série, en présence d’un invité spécial : le premier ministre canadien Mark Carney. Comme presque tout ce qui touche à Rivalité passionnée, leur passage sur le tapis rouge est rapidement devenu viral.

Animée par Lainey Lui, la soirée a permis aux comédiens et aux producteurs de se remémorer le tournage. L’un des moments les plus émouvants est survenu lorsque Hudson Williams et Sophie Nélisse ont revu un extrait du « premier coming out » de Shane; la scène au restaurant où Rose l’amène doucement à parler de son orientation sexuelle.

Sophie Nélisse y livre une performance tendre et nuancée.

« J’ai beaucoup réfléchi au fait que le soutien qu’on apporte peut être silencieux, explique-t-elle. Je voulais qu’un calme émane de cette scène. Tout se jouait dans les regards, dans les pauses. Rose démontre que l’un des gestes les plus généreux qu’on puisse offrir à quelqu’un, c’est de le laisser vivre ses émotions sans jugement ni commentaire. Je voulais qu’elle puisse offrir cet espace sécurisant à Shane, qu’il puisse s’ouvrir à elle, tout en sentant un amour inconditionnel. »

« Je me souviens avoir pensé qu’elle était la meilleure personne qui pouvait être en face de moi pour tourner cette scène, raconte Hudson Williams. C’était très facile de m’ouvrir. Se laisser aller, se montrer vulnérable, c’est difficile, surtout que c’était, je crois, notre deuxième journée de tournage et qu’on se connaissait à peine. Mais instantanément, j’ai pu être en confiance.

« Je me rappelle même de la répétition juste avant : on a improvisé, on est sortis du texte, poursuit l’acteur. On lançait des idées, et je pense que l’équipe ne s’attendait pas à ce qu’il y ait autant d’émotion ou de vulnérabilité. Puis on a tourné la scène, et tout s’est ouvert d’un coup. C’était super. »

« Ils ont tous deux été formidables dans cette scène, souligne pour sa part Jacob Tierney. C’est une scène extraordinaire, et je vous en suis immensément reconnaissant. Je suis aussi très reconnaissant envers ma monteuse, Véronique Barbe, qui a choisi des moments que je n’aurais pas retenus. C’était vraiment intéressant de voir la scène à travers ses yeux. J’ai pratiquement conservé son montage tel quel, parce qu’il m’a surpris et m’a révélé des choses auxquelles je ne m’attendais pas. »

« En fin de compte, l’écriture de Jacob dans cette scène est un véritable hommage à l’amour, conclut Brendan Brady. À chaque instant, le choix est celui de l’amour, et c’est ce qui résonne avec le public. C’est aussi ce qui nous a portés tout au long de cette aventure. »

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À l’occasion de la Saint-Valentin, nous avons rencontré le couple formé par Gabriela Osio Vanden et Jack Weisman, coréalisateurs deNuisance Bear, qui vient de remporter le Grand Prix du Jury dans la catégorie U.S. Documentary au Festival du film de Sundance. Le duo nous parle de leur histoire d’amour née à Churchill, au Manitoba, et des joies et des défis de travailler ensemble.

L'amour, c'est n'avoir jamais à dire qu'on est désolé.

Sauf quand on forme un couple… sur un plateau de tournage.

Toute relation vient avec ses défis, mais quand deux esprits créatifs unissent leurs forces sur le plan professionnel, l’exercice peut s’avérer particulièrement délicat. Les divergences artistiques vous suivent parfois jusqu’à la maison, et la frontière entre le travail et la vie de couple peut devenir floue.

Cela dit, ces mêmes défis peuvent aussi faire grandir la relation.

Ce lien spécial unit Gabriela Osio Vanden et Jack Weisman, le couple de cinéastes derrière le documentaire acclamé Nuisance Bear, qui a été présenté en première mondiale le mois dernier au Festival du film de Sundance et qui est reparti avec le Grand Prix du Jury (Grand Jury Prize) dans la catégorie U.S. Documentary.

Inspiré du court métrage du même nom aussi réalisé par le duo en 2021 – et que vous pouvez visionner ici –, ce long métrage adopte le point de vue d’un ours polaire déclaré nuisible à Churchill, au Manitoba, la capitale canadienne de l’ours polaire. Le documentaire pose une question fondamentale : qui est réellement nuisible dans ce paysage, l’ours ou l’homme? L'histoire atteint son apogée lorsque le narrateur inuit et l'ours se rencontrent.

Tomber amoureux de l’autre (et du sujet)

Ce film est le fruit d'une collaboration passionnée entre Vanden et Weisman, qui se sont rencontrés il y a 10 ans alors qu'ils étudiaient le cinéma à l'Université York, à Toronto.

« On s’est connus en troisième ou quatrième année, notre relation était un peu en dents de scie, raconte Jack Weisman. Puis, dans le cadre d’un projet étudiant, on s’est retrouvés ensemble à Churchill… et on connaît la suite. »

« Une fois sur place, on a réalisé qu’on pouvait vraiment compter l’un sur l’autre, ajoute Gabriela Osio Vanden. Et on est tombés amoureux, à la fois du sujet… et l’un de l’autre. »

Le couple est allé à Churchill à plusieurs reprises au cours des 10 années qui ont suivi, convaincu qu’il y avait là une histoire à raconter sur la relation entre les humains et les ours. Au total, ils ont passé 250 jours à filmer, accumulant 700 heures d'images. Le court métrage de 2021 a connu un franc succès et a été présélectionné pour une nomination aux Oscars. Cette réussite a renforcé leur conviction d’en faire un documentaire.

Travailler ensemble, reconnaître les différences

Quelques jours avant leur départ pour Sundance, nous discutons tranquillement avec le couple sur Zoom, alors qu'il se trouve dans leur domicile torontois. Les partenaires ne terminent pas les phrases de l’autre, mais ils semblent parfaitement accordés; la conversation entre eux coule naturellement.

Était-ce toujours le cas pendant le tournage?

« Il y a eu des moments de tension et des disputes, c’est inévitable, reconnaît Gabriela Osio Vanden. Mais Jack et moi sommes tous deux très bons pour résoudre les conflits, parce qu’on tient l’un à l’autre, et que nous savons que nous sommes dans la même équipe, même quand on s’affronte sur le plan créatif. »

« Certaines parties du film se déroulent dans deux villes différentes, poursuit-elle, ce qui fait que nous étions souvent séparés. Il arrivait qu’on se chicane à propos d’un choix créatif et je lui disais : “Tu n’es pas ici, alors je vais faire ce que je veux” », raconte-t-elle en souriant.

« Et c'était le bon choix! s'exclame son conjoint. Ce moment est l'un des meilleurs de tout le film grâce à cette décision. Il faut donc faire confiance à l'autre, même si ce n’est pas toujours facile. Nous avons chacun notre manière de faire les choses. Nous ne voyons pas le monde de la même façon. Mais si on arrive à dépasser les frictions que ça provoque, ça donne une vision beaucoup plus complète. »

« Nous sommes des personnes très différentes, ajoute Gabriela Osio Vanden. Pourtant, nous partageons les mêmes objectifs, les mêmes valeurs, la même idée de ce que nous voulons dans la vie. Mais nous apportons des choses différentes. Célébrer nos différences, se rejoindre, s’écouter, c’est essentiel. Ce n’est pas toujours simple. »

Traverser les tempêtes

Pour les couples de cinéastes, les défis ne se limitent pas au travail. C’est souvent à la maison que surgissent les discussions, la planification… et les divergences d’opinions.

« Nous avons dû apprendre avec le temps, explique Gabriela Osio Vanden. J’ai fini par dire : “Là, c’est l’heure de dormir, je ne veux plus parler de ça!” [Ils rient tous les deux.] Jack est tellement tenace quand quelque chose le passionne. »

« C'est presque une dépendance, admet-il. Si on est honnêtes, il n'y avait pas assez de limites dans notre relation. Il y a eu des moments où on a failli se séparer tellement c’était difficile. Mais on a traversé ça ensemble, et la récompense est immense. Je suis tellement heureux que nous ayons fait ce chemin à deux. »

Jack Weisman a grandi à Ithaca, dans l'État de New York, avant de déménager au Canada et de devenir citoyen canadien. Gabriela Osio Vanden est née à Ottawa d’une mère canadienne et d’un père vénézuélien. Tous deux ont débuté comme cinéastes, et raconter des histoires à l'écran reste la première grande passion de Vanden.

Si elle se voit éventuellement réaliser de la fiction, elle considère que le temps passé à réaliser Nuisance Bear a été une véritable école.

« Le documentaire est la meilleure formation pour apprendre à faire des films et à raconter des histoires, en particulier pour une personne qui aime la caméra, dit-elle. Ça permet vraiment d'affiner ses compétences. C'est fondamental pour ma créativité. Je pense que tous les cinéastes devraient, à un moment ou à un autre, faire du documentaire. »

« On n’a pas encore discuté de la possibilité de faire un autre film ensemble après celui-ci, confie Weisman. L’année qui s’en vient sera intense, et nous en sommes reconnaissants. Mais ça fait maintenant cinq ans que nous travaillons sans relâche. Le court métrage a connu un succès dépassant toutes nos attentes, et nous avons été en déplacement pendant près de 18 mois. Ensuite, nous sommes passés directement au long métrage, et maintenant, nous avons encore un an, un an et demi, pour le promouvoir. Donc, pour moi, il faut ralentir un peu. »

Quel est leur dernier conseil pour les autres couples qui envisagent de travailler ensemble?

« Ne soyez pas trop durs l'un envers l'autre », dit Jack Weisman.

« Exactement, renchérit sa partenaire. Dans toute relation, même sans projet créatif commun, la vie à deux est en soi un projet où il faut viser les mêmes objectifs. C'est parce que nous voulons les mêmes choses dans notre vie, dans notre carrière, dans ce projet, que nous avons pu traverser toutes les tempêtes. »

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