Bien qu’éloignées des grands centres économiques, les villes de Québec et d’Ottawa sont devenues incontournables dans la production de films et de séries d’animation au pays. Comment expliquer cet essor? Et peuvent-elles surmonter les défis qui secouent actuellement l’industrie? Des experts analysent la situation.

« Je me suis fait traiter d’illuminée », se souvient la productrice et réalisatrice Nancy Florence Savard lorsqu’elle a décidé, en 1998, de fonder sa maison de production 10e Ave Productions à Saint-Augustin-de-Desmaures, en banlieue de Québec, loin des grandes métropoles.

« Même si l’animation 2D traversait une période difficile à cette époque, je voulais m’établir dans la Capitale-Nationale parce que je suis une fille de région. Et je me disais qu’après chaque crise, quelque chose de beau émerge toujours. Pour moi, ç’a été l’essor des films d’animation 3D. »

De La légende de Sarila (2013) à Lydia et le vaisseau des tempêtes (2026), 10e Ave Productions et son studio boutique 10e Ave Animation – aujourd’hui installés sur la Grande Allée à Québec – sont devenus des chefs de file dans la création de longs métrages d’animation entièrement canadiens.

D’autres entreprises spécialisées en animation ont également fait leur marque dans la région, tant au petit qu’au grand écran. Parmi les exemples récents, Epic Storyworlds et Loomi Animation ont lancé la série Guiby le superbébé, Du Coup Production et Du Coup Animation ont participé à la création du film Hola Frida et Happy Camper Média prépare son tout premier long métrage, L’Agent Jean! : La fin des mondes, attendu le 8 octobre 2027.

« Plus que jamais, on fait rayonner nos propriétés intellectuelles à Québec », remarque Nancy Florence Savard, qui attribue entre autres cette « véritable effervescence » à l’excellence des écoles spécialisées en animation établies dans la Vieille Capitale, à la coopération entre les studios et aux incitatifs financiers de la Ville, comme la Mesure d’aide au démarrage de productions audiovisuelles.

Ottawa, une autre capitale animée

En production télévisuelle, Ottawa abrite aussi plusieurs studios bien établis. Respectivement connus pour les séries Red Ketchup et Hilda, Big Jump Entertainment et Mercury Filmworks collaborent étroitement avec de grands groupes médiatiques et diffuseurs nord-américains, comme Netflix, Disney+ et CBC. De son côté, Jam Filled Entertainment, à qui l’on doit notamment la série pour enfants Dino Ranch, a connu une ascension fulgurante, passant d’une start-up aménagée dans le grenier d’une pizzeria à un studio de 10 millions de dollars.

« Plusieurs mesures favorisent la croissance du secteur dans la région », explique la directrice générale du Festival international d’animation d’Ottawa (FIAO), Kelly Neall. En Ontario, des crédits d’impôt bonifiés sont offerts pour les projets réalisés en dehors de la région du Grand Toronto ». À cela s’ajoute notamment le Fonds pour la propriété intellectuelle (PI) d’Ontario Créatif, qui aide les sociétés ontariennes à développer, produire et commercialiser du contenu pour les écrans.

Du côté du cinéma d’animation, le FIAO – considéré comme le plus grand festival du genre en Amérique du Nord – agit comme une solide vitrine pour l’écosystème local. « Cet événement favorise la collaboration et aide les créateurs à élargir leur réseau et à développer leurs compétences grâce à des ateliers pratiques », mentionne Kelly Neall, en pensant à deux anciens participants, Jessica Borutski et Nick Cross, qui ont depuis acquis une reconnaissance internationale comme animateurs et réalisateurs.

Des hauts et des bas

Comme le reste de l’industrie audiovisuelle, le milieu de l’animation est actuellement soumis à d’importantes fluctuations. Et Ottawa n’y échappe pas : « On est une industrie de services, mais les contrats en provenance des États-Unis se font rares en ce moment, observe avec déception le président de Big Jump Entertainment, Cory Morrison. Et localement, les possibilités de développer des projets, de produire du contenu ou d’obtenir des contrats de services et de coproduction sont limitées, parce que les diffuseurs achètent de moins en moins de propriétés intellectuelles et que l’appui des réseaux canadiens continue de diminuer. YouTube est devenu la nouvelle télévision. »

Dans la capitale canadienne, le Ottawa Business Journal rapportait que les revenus du secteur sont passés de 60 millions de dollars au plus fort de la pandémie à 28 millions en 2025. Un recul qui se fait désormais sentir sur l’emploi. « Chaque jour, je reçois probablement une douzaine de courriels de personnes en quête de travail, dit Cory Morrison. Il y a trois ou quatre ans, je n’en recevais pas pendant des semaines, car tout le monde travaillait déjà et les diplômés se faisaient embaucher dès la fin de leurs études. »

À Québec, la situation est un peu différente, sans être parfaite pour autant. « La baisse du crédit d’impôt [du gouvernement provincial en 2024] a fait mal à l’industrie, et plus particulièrement à Montréal, qui travaille davantage pour des clients étrangers, reconnaît Nancy Florence Savard. Chez nous, comme on produit principalement des projets originaux plutôt que du travail de services, on a tous sensiblement la même compréhension de ce qu’il faut faire avec des budgets plus limités. Disons qu’on est assez créatifs. »

Un regard vers l’avenir

Si les activités ne redémarrent pas de façon significative à Ottawa et ailleurs au pays, plusieurs joueurs devront possiblement repenser leur fonctionnement.

« On entre dans une ère où les créateurs indépendants et les studios développeront de plus en plus leurs projets de manière autonome, souvent grâce à des plateformes comme Kickstarter ou Patreon, souligne Cory Morrison. Les créateurs qui tireront leur épingle du jeu seront ceux capables de mobiliser des communautés, puis de convertir cette attention en revenus durables, tout en continuant d’offrir une véritable valeur ajoutée à leur public. »

Et l’intelligence artificielle pourrait-elle faire partie de la solution?

Selon le dirigeant de Big Jump Entertainment, elle pourrait certainement aider à automatiser des tâches techniques et à accélérer les flux de travail : « Il doit exister une manière éthique d'aller de l'avant avec l'IA qui profite non seulement aux artistes et aux créateurs, mais aussi à la rentabilité de la production. Dans un monde idéal, au lieu d'avoir une équipe de 200 personnes pour une seule production, on aurait une équipe de 200 personnes pour cinq productions. »

Nancy Florence Savard met toutefois en garde : « L’IA pourrait nous être utile, mais elle ne devrait pas compromettre le droit d’auteur. On veut encore des humains pour raconter des histoires et pour donner vie à des personnages. »

Entre innovation technologique et identité artistique, l’industrie nationale continue donc de chercher son équilibre, c’est-à-dire évoluer sans perdre ce qui fait sa force : son talent créatif.

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Alors que l’écoute de balados est en hausse, des plateformes comme Netflix et Crave se lancent dans la baladodiffusion vidéo. Ce virage exerce une pression financière importante sur les baladodiffuseurs indépendants, habitués à des budgets modestes et des contenus audio uniquement. Pour ceux qui souhaitent passer à l’écran, des initiatives comme le Programme pilote pour la création numérique du Fonds des médias du Canada visent à les soutenir.

C’est au début des années 2010 que Kattie Laur découvre l’univers des balados.

Ayant grandi en écoutant la radio publique et « étant obsédée par la CBC », Laur décide d’étudier la production télé et radio à l’Université Ryerson, rebaptisée depuis Université métropolitaine de Toronto, où elle obtient son diplôme en 2014. Après avoir travaillé en radio et en télévision, elle devient productrice indépendante de balados en 2018, et collabore notamment avec des publications comme BetaKit, qui couvre l’économie numérique canadienne.

En 2022, pendant la pandémie, Kattie Laur lance l’infolettre Pod the North, une ressource communautaire consacrée aux balados canadiens, qui compte aujourd’hui 2 000 abonnés. En 2024, elle crée le balado Canardian, dans lequel elle invite ses invités à potiner sur leur ville natale. Un an plus tard, en avril 2025, elle commence à publier des versions vidéo de Canardian sur YouTube.

Du son à l’image

Selon Kattie Laur, la pandémie a servi de catalyseur pour l’industrie de la baladodiffusion et pour son évolution vers un format en pleine expansion : la vidéo. « Du jour au lendemain, l’enregistrement à distance est devenu beaucoup plus simple, explique-t-elle. Nous avions accès à tous ces enregistrements de type Zoom. Ça nous a fourni énormément d’images supplémentaires à utiliser, produire et diffuser. »

Pour Kattie Laur, l’essor de ces balados filmés contribue directement à la popularité croissante des balados.

Selon le sondage Canadian Podcast Listener 2025 réalisé par Signal Hill Insights, l’écoute de balados au Canada est en hausse constante depuis 2017. En 2025, 46% des Canadiens écoutaient des balados au moins une fois par mois, comparativement à 39% en 2024 et à 24% en 2017. De plus, 14% des répondants écoutaient ce type de contenu chaque jour, contre 9% en 2024 et 4% en 2017. Parmi les consommateurs de balados, 51% déclarent à la fois en écouter et en regarder, alors que 25% se limitent à l’écoute et 24% uniquement au visionnement. Le sondage révèle également que 40% des auditeurs privilégient YouTube comme plateforme principale, tandis que 26% optent pour Spotify.

« Les balados sont devenus bien plus qu’une simple expérience d’écoute, affirme Kattie Laur. On les consomme maintenant sous forme de courtes vidéos sur Instagram, TikTok et YouTube Shorts. Ils sont devenus de véritables talk-shows. »

Des balados dans votre télé

Les grandes plateformes de diffusion en continu se lancent elles aussi dans l’aventure. En janvier 2026, Netflix a commencé à diffuser des balados en format vidéo. À la fin du mois de mars, 13 % des foyers abonnés à Netflix avaient regardé un balado sur la plateforme. De son côté, la plateforme canadienne Crave a lancé la diffusion de balados vidéo à la fin du mois de mai.

Kattie Laur constate que les diffuseurs traditionnels adoptent également ce nouveau format. « L’autre jour, j’étais au gym et un balado de Sportsnet jouait à la télévision, raconte-t-elle. Même les grandes entreprises commencent à utiliser la baladodiffusion, à la fois comme contenu télévisuel et comme balado. C’est la direction que prend l’industrie. On crée du contenu qui peut être consommé dans le format choisi par le public. »

Trouver du financement

Kattie Laur met en garde la pression financière que le virage vidéo exerce sur les créateurs de balados. « La nouvelle norme, ce sont des décors élaborés et des talk-shows tournés en studio avec trois caméras et de l’éclairage. Pour les créateurs d’ici, ça va être difficile de rivaliser, parce que nous n’avons pas les mêmes ressources. »

Alors que de nombreux balados internationaux à succès bénéficient de commanditaires et d’ententes publicitaires, particulièrement aux États-Unis, Laur affirme que les annonceurs canadiens restent « extrêmement prudents ».

« Parmi tous les baladodiffuseurs indépendants à qui j’ai parlé, très peu obtiennent des commandites, surtout de la part de marques canadiennes », affirme-t-elle.

Résultat? De nombreux créateurs indépendants talentueux se tournent vers le marché américain, plus lucratif. « Beaucoup de producteurs canadiens travaillent sur l’un des balados les plus populaires au monde, 99% Invisible », souligne Laur. D’autres se consacrent à des productions de marque financées par de grandes entreprises qui disposent d’importants budgets, notamment des institutions financières, ou tentent d’obtenir l’un des rares postes offerts par des diffuseurs comme CBC.

Malgré tout, il y a de l’espoir.

Le Programme pilote pour la création numérique (PPCN) du Fonds des médias du Canada (FMC), qui en est maintenant à sa quatrième année, a annoncé que son cycle de financement 2026-2027 sera ouvert pour la première fois au secteur de la baladodiffusion. « Ces dernières années, avec l’intérêt croissant pour le balado vidéo, nous avons vu une occasion de croissance qui s’inscrit parfaitement dans le mandat du FMC, soit de soutenir le contenu audiovisuel. On a aussi constaté une volonté de voir un soutien gouvernemental stable être accordé à cette industrie », explique Janine Steele, directrice des médias interactifs, numériques et émergents au FMC.

Le PPCN est destiné aux producteurs de balados en mi-carrière avec au moins un an d’expérience, qui ont produit et diffusé au moins trois épisodes d’un balado dans la dernière année et qui ont déjà produit et diffusé au moins une saison d’une série balado dont ils sont les principaux propriétaires. Les créateurs anglophones devront afficher une moyenne de 1 000 téléchargements par épisode, tandis que les créateurs francophones devront atteindre une moyenne de 500 téléchargements par épisode. Les créateurs doivent également avoir des balados accessibles sur au moins une grande plateforme : Spotify, YouTube, Apple Podcasts ou, pour les francophones, OHdio de Radio-Canada. Les candidatures pourront être soumises du 15 septembre au 1er octobre 2026.

« On veut vraiment soutenir les créateurs déjà présents dans l’univers du balado vidéo, et qui veulent consolider ou développer leurs activités, poursuit Janine Steele. Le programme est aussi pour ceux qui travaillent uniquement avec l’audio et souhaitent faire une transition vers la vidéo. »

Selon elle, le PPCN met davantage l’accent sur le développement de l’activité des baladodiffuseurs que sur la création de contenu elle-même. « On veut les aider à faire croître leur organisation, que ce soit par l’embauche de personnel, comme des comptables, des avocats ou des gestionnaires de médias sociaux, l’achat d’équipement ou les déplacements. Si leur participation à des conférences peut leur permettre de développer leur réseau ou de conclure des ententes, ces dépenses peuvent être admissibles au financement. »

Soutenir la relève locale

Grâce au PPCN, Janine Steele espère permettre aux créateurs indépendants de développer leurs plateformes et d’élargir leur auditoire. « On a l’occasion de raconter des histoires de chez nous et de partager des expériences qui contribuent au tissu culturel de notre société, à notre façon de nous percevoir et de nous comprendre les uns les autres, dit-elle. C’est particulièrement important dans une industrie largement mondialisée où le contenu provient de partout dans le monde, mais surtout de nos voisins du sud. »

Pour Kattie Laur, le succès de l’industrie passe par les créateurs indépendants et par une meilleure représentation des femmes, des femmes racisées et des Autochtones. « C’est vraiment important de pouvoir se reconnaître dans les médias qu’on consomme », conclut-elle.

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Le drame musical québécois a fait le pari rare de placer une adolescente trans au cœur d’une série jeunesse. Ses créateurs reviennent sur leur volonté de raconter cette histoire dans le climat actuel et sur les défis de rejoindre le jeune public.

En 2024, FEM a accompli quelque chose que très peu de séries jeunesse avaient osé faire auparavant : placer l’émancipation d’une adolescente trans au centre de son récit. La télévision a certes offert quelques personnages trans marquants dans les dernières années – pensons notamment à Euphoria –, mais peu d’œuvres leur ont accordé une place aussi centrale que celle de Zav, un musicien franco-ontarien de 16 ans qui rêve d’intégrer le Conservatoire tout en explorant secrètement son identité féminine. Et c’est au Québec que cette série, diffusée sur les plateformes de TV5+ (anciennement Unis TV) et de Netflix (la saison 1 pour le moment), est née.

La réalisatrice de FEM, Marianne Farley, estime que puisque la communauté LGBTQ+ représente une part importante de la population, il ne devrait même pas être nécessaire de justifier la création de séries comme FEM. « On a le droit d'avoir notre contenu aussi, de faire des projets qui nous touchent. »

Si le sujet était audacieux en 2024, le producteur de la série Patrick Bilodeau constate qu’il l’est encore davantage maintenant avec la montée de l'intolérance face à la transidentité et à la communauté LGBTQ+ : « En deux ans, ça a changé à l'international, observe-t-il. Les gens sont frileux, ils savent que ça fait réagir, que ça fait jaser. Ils n’ont pas vraiment envie d'aller là. »

Le contexte ne décourage pas le producteur d’UGO Média, bien que, de son propre aveu, il serait tentant de privilégier des propositions plus conventionnelles. Peu importe : la boîte de production a gardé le cap en allant de l’avant avec une seconde saison de FEM, qu’on peut dès maintenant visionner gratuitement sur TV5+.

Au rythme de la transidentité

Dans la suite de cette série créée et coscénarisée par Maxime Beauchamp, Zav (Lennikim) est maintenant une jeune femme trans : elle est sortie du placard et cherche à faire sa place dans l’industrie de la musique. L’autrice-compositrice-interprète a quitté le petit village franco-ontarien de Lanark pour la scène montréalaise ; et les « vrais » amis pour les fortes personnalités du spectacle et de la vie nocturne.

La première saison avait particulièrement touché les téléspectateurs, comme en témoignent les nombreux messages enthousiastes et souvent touchants qu’ont reçus les membres de l’équipe de FEM.

« On a vraiment vu la saison deux comme un chapitre deux. Là, on est ailleurs. On est beaucoup dans le monde de la nuit, dans les prestations musicales, dans les clubs et dans les questionnements de l'expression de la féminité », explique Patrick Bilodeau.

Au fil des 10 épisodes, Zav se demande quel genre de femme elle est, et ce que cette femme représente pour elle, quitte à se perdre dans sa quête identitaire. La musique, loin de la simple trame sonore, l’accompagne comme un personnage dans son exploration de l’identité de genre.

« On avait le goût d'être plus dark, illustre Marianne Farley. La musique est très urbaine; c'est plus techno. On a mis des influences plus hip hop et trip hop. »

Être diffusé par le géant Netflix

Après la sortie de la première saison de FEM, Netflix a approché UGO Média pour l’acquérir. Pour la boîte de production québécoise, il était essentiel que la série obtienne une fenêtre de diffusion à l’international, alors que seuls les Canadiens y ont accès sur TV5+.

« C'est sûr que ça donne une bonne tape dans le dos, ça donne de la crédibilité au projet, dit Patrick Bilodeau. Et tu te dis “Câline, ça veut dire quelque chose!” »

Netflix a aussi l'avantage de favoriser la découvrabilité d’une série auprès des jeunes adultes, qui semblent bouder les plateformes et le contenu locaux au profit des géants américains. En 2024, 64% des Québécois de 15 à 29 ans avaient surtout visionné des contenus de l’extérieur du Québec, selon l’Observatoire de la culture et des communications du Québec (OCCQ).

« Non seulement ils ne sont pas sur les plateformes québécoises, mais ils ne les connaissent même pas ! » déplore le producteur. 

Comment alors intéresser les jeunes adultes aux séries d'ici ? Pour la réalisatrice Marianne Farley, ça passe entre autres par l’offre. « Il faut prendre des risques. Je pense qu’il ne faut pas être paternaliste, ne pas essayer de leur enseigner comment être un adulte. Les séries jeunesse doivent aussi aller vers ce qui intéresse les jeunes et non ce que les adultes pensent qui intéresse les jeunes. Je pense que c'est ce qui fait la force de FEM, aussi. On reste proche des personnages, qui vivent de vrais drames. »

Pas de 3e saison, mais un nouveau projet

La deuxième saison de FEM sonne la fin de ce drame musical. Le trio créatif composé du créateur et showrunner Maxime Beauchamp, de la réalisatrice Marianne Farley et du producteur Patrick Bilodeau n’a cependant pas dit son dernier mot. Il planche présentement sur une nouvelle série, actuellement en prédéveloppement.

« On avait hâte de repartir sur un nouveau projet, dit Patrick Bilodeau. On est à la fois dans une certaine continuité; ça reste une série éclatée avec beaucoup de rebondissements, vraiment uniques, mais dans un univers complètement différent. »

Il décrit la série comme une fausse téléréalité qui suit des couples en lice pour gagner un traitement révolutionnaire de fécondation permettant à quiconque de concevoir un enfant avec son ADN. Le nouveau projet met aussi fièrement de l’avant la communauté LGBTQ+, et ce, peu importe si les gens y sont frileux.

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Il a fallu bien plus qu'un village pour créer Julián. L’Irlande, le Luxembourg, le Danemark et le Canada ont uni leurs forces pour réaliser ce long métrage d'animation dans lequel un jeune garçon découvre la sirène qui sommeille en lui. Nous avons discuté avec le producteur et président de la boîte de production canadienne Aircraft Pictures, Anthony Leo, du rôle essentiel joué par son équipe pour faire décoller cette coproduction internationale.

Lorsqu’on gère une coproduction comme Julián, un long métrage d’animation ayant mobilisé plus de 150 artistes aux quatre coins du monde, l’expérience est un atout précieux. 

Ayant travaillé sur des projets destinés au jeune public, tels que le long métrage Youngblood, la série à succès Geek Girl sur Netflix, Gangnam Project sur CBC Gem et le long métrage d’animation sélectionné aux Oscars The Breadwinner, le producteur Anthony Leo et l’équipe d’Aircraft Pictures, établie à Toronto, ont pu mettre à profit leur expertise, notamment en matière de financement et de distribution. 

Adapté du populaire livre pour enfants Julian Is a Mermaid de Jessica Love, le film raconte l’histoire d’un jeune garçon qui apprend à s’affirmer durant l’été, pour finalement décider de s’habiller en sirène pour le célèbre défilé des sirènes de Coney Island. 

Julián est une magnifique animation 2D dessinée à la main par une armée d’artistes des studios de Cartoon Saloon (Irlande), Melusine Studio (Luxembourg), Sun Creature (Danemark) et Guru Studio (Canada). Fait intéressant : en janvier dernier, Anthony Leo est devenu président de Cartoon Saloon tout en conservant son rôle au sein d’Aircraft Pictures. 

Le film – qui a bénéficié du soutien du Programme pour les distributeurs du Fonds des médias du Canada (aujourd’hui le Programme des enveloppes des distributeurs) – sera présenté en première mondiale ce mois-ci au Festival international du film d’animation d’Annecy. Nous avons rencontré Anthony Leo par Zoom, alors qu’il se trouvait en France, pour discuter de la création de Julián, de sa collaboration avec l’actrice Zoe Saldaña et de l’avenir de l’animation à l’ère de l’intelligence artificielle. 

Julián est le premier long métrage d’animation d’Aircraft Pictures depuis The Breadwinner, sorti en 2017. Qu’est-ce qui vous a poussé à revenir à l’animation? 

C’est vrai. Il y a environ 10 ans, nous avons contacté le studio d’animation irlandais Cartoon Saloon avec un projet que nous avions développé, The Breadwinner, en vue d’une coproduction. Et ça s’est très bien passé : le film a reçu un excellent accueil et remporté de nombreux prix. À l’époque, on avait acquis les droits du livre et on l’avait adapté, avant de leur présenter le projet.  

Cette fois-ci, ce sont eux qui adaptaient un livre et qui sont venus nous voir en disant : « Et si on essayait de recréer la magie une autre fois? Seriez-vous intéressés à coproduire avec nous? » On a immédiatement accepté parce que c’était un livre génial et qu’on adore travailler avec eux. 

Pouvez-vous nous résumer brièvement le film? 

Julián est un jeune garçon qui passe l’été à Brooklyn, chez sa grand-mère qu’il connaît à peine. Il découvre qu’un défilé appelé « The Mermaid Parade » (le défilé des sirènes) y a lieu chaque été. C’est un événement qui existe vraiment. Puis il rencontre trois filles qui considèrent ce défilé comme le moment fort de leur été et qui planifient avec enthousiasme leurs costumes. Julián décide qu’il veut, lui aussi, devenir une sirène.  

Son été est parsemé de difficultés, mais c’est vraiment une chance pour lui d’apprendre à s’exprimer pleinement. Ce cheminement aide aussi sa « abuela » (grand-mère) à s’affirmer à son tour.  

Le film est réalisé par les Irlandais Louise Bagnall et Mark Mullery, ainsi que par Guillaume Lorin, originaire de la Guadeloupe. Pourquoi avoir fait appel à trois réalisateurs? 

Pour Louise Bagnall, qui est la réalisatrice principale, il s’agit de son premier long métrage, alors on voulait lui offrir le plus de soutien possible. Elle a déjà été sélectionnée aux Oscars pour son court métrage Late Afternoon, donc elle n’avait pas besoin de beaucoup d’aide. Mais comme l’histoire porte sur un jeune garçon d’origine dominicaine, et même si Julián n’est pas nécessairement LGBTQ+, on souhaitait que Guillaume Lorin participe au projet puisqu’il vient de cette région du monde et qu’il est lui-même queer. Quant à Mark Mullery, il possède une grande expérience en tant qu’assistant réalisateur sur certains projets majeurs de Cartoon Saloon. Sa contribution a été précieuse pour les aspects techniques du projet. 

Comment Zoe Saldaña et sa société de production, Cinestar Pictures, se sont-elles jointes au projet? 

On a entamé des discussions très tôt dans le processus. Zoe et ses sœurs, Cisely et Mariel, ont des racines dominicaines, et Zoe Saldaña s'est toujours montrée très solidaire de la communauté LGBTQ+, particulièrement en soutenant son neveu, qui est non binaire. Dès qu’on leur a présenté le projet, elles ont tout de suite été séduites. Elles ont aimé la façon dont nous racontions l’histoire et ont voulu contribuer à faire rayonner son message. 

Craigniez-vous qu’une collaboration avec elles leur donne une influence trop importante sur le projet? 

On avait déjà travaillé avec Angelina Jolie sur The Breadwinner. À ce stade de leur carrière, avec ce niveau de notoriété, ces personnalités ont l’embarras du choix pour leurs projets. Il faut donc qu’ils correspondent réellement à leurs valeurs et à leurs intérêts. Dans ce cas-ci, Julián répondait à tous les critères. Il nous a fallu du temps pour attirer leur attention, car elles sont très sollicitées. Mais dès qu’elles ont lu le scénario et vu une première version du film, elles ont immédiatement adhéré au projet. 

Comment se porte l’industrie de l’animation en matière de création et de commercialisation? 

À l’échelle mondiale, on traverse une période d’ajustement. Le rythme a ralenti depuis la pandémie, alors que l’animation a connu une forte croissance. À cela s’ajoute l’essor des contenus générés par l’intelligence artificielle, ce qui crée un contexte plus difficile. Malgré tout, on a la chance de collaborer avec des créateurs au sommet de leur art. Il y aura toujours une demande pour une animation de très grande qualité. 

L’arrivée de l’IA dans le domaine de l’animation vous empêche-t-elle de dormir? 

Ce qui me rassure, c’est ce qui semble se dessiner, particulièrement chez la génération Z. On observe une certaine réaction de rejet face au contenu généré par l’IA, surtout chez les jeunes. On a l'impression que c'est encore une nouveauté, mais je pense que l’abondance de ce type de contenu sur YouTube et les autres plateformes finira rapidement par lasser les gens. Le public n’est pas dupe. 

Oui, la qualité va s'améliorer à mesure que les investissements augmenteront – et ce phénomène n'est pas près de disparaître –, mais les gens ne vont pas consommer plus de contenu juste pour le plaisir. Il faut que ce soit quelque chose de spécial pour que les gens y consacrent leur précieux temps. 

The Breadwinner mettait en scène une jeune fille dans un Afghanistan déchiré par la guerre, tandis que Julián suit un garçon qui se sent différent. À quel point est-ce important pour Aircraft Pictures de produire des films porteurs de sens pour les enfants? 

C’est extrêmement important. Ce qui est intéressant avec un projet comme Julián, c’est que certains distributeurs internationaux nous ont dit : « J’adore le film, mais je ne pourrais pas le montrer à mon enfant de sept ou neuf ans ». On va forcément croiser des gens qui pensent comme ça. Mais je sais, d’après ma propre expérience… que d’une certaine manière, je suis Julián. Quand j’étais enfant, aucun film ne me disait : « Ne t’inquiète pas si tu es un peu bruyant, différent, c’est normal de passer par là ».  

Nous avons besoin d’enfants comme ça, qui s’expriment librement. Ils ont besoin d’endroits où ils sont représentés à l’écran sans avoir l’impression de devoir réprimer qui ils sont, parce que c’est quelque chose de magnifique. Trop souvent, cet élan est étouffé dès le plus jeune âge.

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Le jeu vidéo d’horreur fête ses 10 ans ce mois-ci. Depuis sa création, Dead by Daylight a rejoint plus de 70 millions de joueurs, et Behaviour Interactif, le studio montréalais qui l’a développé, a vu son équipe passer de 300 à 1 260 employés.

Il y a un peu plus d'une décennie, le Fonds des médias du Canada finançait un certain jeu vidéo appelé Dead by Daylight. À cette époque, le développeur montréalais Behaviour Interactif – qui est derrière ce jeu d’horreur asymétrique opposant un joueur dans le rôle d’un tueur à quatre autres participants – était loin de se douter qu’il deviendrait un succès planétaire.  

Pour comprendre la genèse de ce projet et sa pérennité, Futur et médias s’est entretenu avec le PDG de Behaviour Interactif, Rémi Racine, et deux développeurs de la première heure de Dead by Daylight : Dave Richard, directeur créatif, et Mathieu Côté, directeur des partenariats.    

Remontons dans le temps. À quoi ressemblaient les débuts de Dead by Daylight?

Mathieu Côté : Dead by Daylight a commencé comme une lettre d’amour aux films d’horreur des années 70 et 80. Nous étions une toute petite équipe, de 35 personnes environ. Pour donner une idée, on est environ 400 à travailler sur le jeu aujourd’hui.

Rémi Racine : On a présenté le jeu à la Game Developers Conference (GDC) en mars 2015, un peu plus d’un an avant son lancement et après environ six mois de production. On cherchait un éditeur, et on a obtenu plus d’une dizaine d’offres. On a choisi Starbreeze, qui était le plus petit du lot, car à l’époque, je voulais développer le volet publishing (NDLR : édition) à l’interne, et c’était le seul qui nous permettait de le faire. Quand on a lancé le jeu en juin 2016, on n’avait donc pas une grosse machine derrière.

Quelle a été la réception du public lorsque vous avez lancé le jeu, en juin 2016? 

Dave Richard : Elle a été incroyable. On a été surpris. On savait qu’on avait quelque chose d’intéressant entre les mains, mais pas à ce point-là.

MC : On avait eu des indices que ça pourrait bien aller, cependant. Tout juste avant le lancement, à la conférence sur les jeux vidéo PAX, notre kiosque était à côté de celui du service de diffusion Twitch. Les créateurs de contenu qui passaient par là ont essayé notre jeu, et on s’est aperçus que c’était un genre parfait pour eux : une source infinie de moments forts et de sursauts de peur. Ça a rapidement créé un engouement.

RR : On est rentrés dans notre investissement très vite. En deux semaines, on a vendu 400 000 exemplaires, ce qui nous a permis de générer un petit profit.

Vous n’aviez pas prévu que Dead by Daylight évolue et perdure dans le temps. Comment ce jeu est-il devenu ce qu'il est aujourd'hui?  

MC : En effet, à l’époque, notre objectif était de lancer le jeu, peut-être d’offrir du contenu téléchargeable l’automne suivant, puis de passer au prochain projet. Mais quand on a vu la réception, on a changé nos plans. On a gardé l’équipe, on l’a agrandie et on a commencé à bâtir autour du jeu existant.

RR : Il y avait une partie de l’équipe qui corrigeait les bugs, parce que le jeu en avait, et une autre qui travaillait déjà sur du nouveau contenu. Très vite, on a compris qu’il fallait soutenir le jeu en continu.  

DR : Et là, ça va plus loin encore. Dead by Daylight, c’est devenu une franchise. Notre univers est ultra intéressant, et on veut qu’il touche le plus de personnes possible, au-delà du jeu lui-même. On a lancé par exemple The Casting of Frank Stone, un jeu d’un autre genre complètement, mais dans l’univers de Dead by Daylight. Il y a des romans graphiques, et on est en train de réaliser un film. Pour les 10 prochaines années, et même plus, Dead by Daylight va continuer de grandir, et s’étendre au-delà du jeu de base.

Dead by Daylight est connu pour intégrer des franchises d’horreur, comme Halloween, Alien et Evil Dead. Pourquoi avoir misé sur ces partenariats?  

MC : C’était quand même naturel de vouloir intégrer de grandes figures de l’horreur dans un jeu du genre, je dirais. On a été chanceux : le premier personnage qu’on a réussi à intégrer a été Michael Myers, le méchant dans Halloween. C’est difficile de faire plus iconique. Après ça, les conversations étaient plus faciles avec les autres détenteurs de droits.

DR : En plus, on avait l’habitude de travailler avec des partenaires, car l’ADN du studio était de produire des jeux pour les autres marques. On a simplement appliqué cette expertise à Dead by Daylight.

RR : Starbreeze, notre partenaire à l’époque, connaissait aussi bien ce modèle, alors ça nous a aidé à structurer notre approche.

Qu’est-ce que le succès de Dead by Daylight a changé pour Behaviour Interactif? 

RR : Au début, on n’était que des développeurs qui pensaient à faire des jeux. Le succès de Dead by Daylight nous a permis d’aller plus loin. Aujourd’hui, il y a des équipes complètes autour de nos projets : analytique, relation avec les joueurs, gestion de produit. Toutes ces équipes apportent de l’information aux créateurs, qui peuvent ensuite prendre des décisions plus éclairées. Le côté créatif est toujours là, mais quand on pense à quelque chose, on a les moyens et le temps de mieux réfléchir.

DR : Et les joueurs en sortent gagnants!

RR : Financièrement, ça nous a aussi donné une certaine indépendance. Depuis 7 à 8 ans, Dead by Daylight nous permet d’être plus sélectifs dans les projets qu’on fait pour d’autres.

MC : Ce qui est drôle, c’est qu’au début, c’était plutôt le volet work for hire (NDLR : le développement de jeux pour d’autres entreprises) de Behaviour qui nous permettait de prendre le temps de développer le jeu de Dead by Daylight! Aujourd’hui, la popularité du jeu nous offre d’autres possibilités, comme d’aider d’autres studios.

Évidemment, la compagnie a aussi beaucoup grossi. Au lancement de Dead by Daylight, l'ensemble de Behaviour Interactif comptait environ 300 à 350 employés. Aujourd’hui, on en a 1 260.  

Quels conseils donneriez-vous aux studios qui débutent dans le domaine? 

MC : On a fait une présentation à la Game Developers Conference (GDC) récemment, et beaucoup de questions du public portaient sur comment faire un jeu en tant que service [un modèle de monétisation des jeux vidéo par les abonnements, les microtransactions, etc.]. Mais ce n’est pas ce qu’on a fait. On a fait un jeu, puis on a continué à le maintenir, à ajouter du contenu et à développer un service autour. Les éléments comme la boutique ont été ajoutés plus tard, une fois que les joueurs étaient engagés.  

RR : Il faut faire un jeu que les gens vont aimer. Ensuite, tu peux voir s’il peut devenir un service. Mais le jeu doit d’abord et avant tout avoir une clientèle qui y joue régulièrement. Ça prend de la rétention.

MC : Ce qui est important aussi, c’est d’écouter les joueurs et d’apprendre en cours de route. C’est un exercice d’humilité, mais les joueurs peuvent en quelque sorte faire partie de l’équipe.  

Behaviour Interactif organisera un événement de célébration pour ses amateurs au Grand Quai du Port de Montréal, le 14 juin. Plusieurs annonces en lien avec le futur de la franchise seront aussi dévoilées pour l’occasion. 

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Quand les frères Anderson Jean, scénariste et réalisateur, et Fayolle Jean Jr, comédien, unissent leurs forces, ça donne la nouvelle série jeunesse Jumelles. Une histoire de famille inspirante, devant et derrière l’écran.

Les frères Anderson et Fayolle Jean Jr ont vu de près l’évolution de la diversité à la télévision québécoise. D’origine haïtienne, leur père, Fayolle Jean, fait partie des premiers comédiens afrodescendants au Québec. Plusieurs artistes ont été inspirés par lui, y compris ses fils, qui ont eu envie de suivre ses pas. Petit, Fayolle Jr adorait l’accompagner dans les coulisses des plateaux de tournage. Tellement qu’il est lui-même devenu acteur, à l’aube de la vingtaine. De son côté, Anderson s’est intéressé davantage à son travail de réalisateur. Du cinéma au dessin, de la poésie au jeu, les cinq enfants Jean sont tous nés avec la fibre artistique. À l’abri des projecteurs, leur mère, elle, s’est appliquée à ce que chacun aille au bout de ses rêves.

La famille vient d’en réaliser un grand avec la nouvelle fiction jeunesse Jumelles, le plus important projet commun du clan jusqu’à maintenant, qui sera mise en ligne à partir du 11 juin sur l’Extra de Tou.tv. « C’est des trucs auxquels on ne peut même pas rêver! » lance Fayolle Jr avec enthousiasme.

Double standard

Produite par KOTV, avec l’appui financier du Fonds des médias du Canada, la série raconte la quête inusitée de deux sœurs de 14 ans, issues de l’union d’un couple mixte. Une condition rarissime différencie les jumelles : l’une est née avec la peau noire et l’autre, blanche. Jusqu’ici, elles n’y portaient pas attention, mais la mort d’une femme afrodescendante pendant une intervention policière les poussera à se questionner sur leur identité et sur le regard inégal que la société pose sur elles.

Idéateur du projet, Anderson Jean signe le scénario avec Marie-Élène Grégoire et Marie-Hélène Lebeau-Taschereau, récipiendaires d’un prix Emmy International cet automne pour La médiatrice. Il a eu l’éclair de génie en voyant des jumelles du même genre en couverture du National Geographic. « C’était à l’époque de George Floyd, se rappelle-t-il, et je trouvais intéressant de commencer la série avec un événement comme celui-là; des jumelles qui ont les mêmes parents, le même background, qui partent du même point et qui, malgré tout, vont avoir une vie différente juste à cause de la couleur de leur peau. »

Fayolle Jr incarne le père des adolescentes, un homme très présent qui s’est fait un devoir de les éduquer sur un pied d’égalité. Or, le drame très médiatisé vient tout remettre en question. « Il n’a jamais vraiment parlé de différence à ses filles parce que, pour lui, c’était important de montrer qu’on est égaux. Quand cet événement se produit, toutes ces discussions-là arrivent, par rapport à la couleur de leur peau, par rapport aux opportunités… Avec sa fille noire, mais aussi avec sa fille blanche. La jumelle noire va chercher son côté haïtien, mais sa sœur, même si elle est blanche, elle a aussi ce côté haïtien-là. C’est une identité qu’on ne voit pas, qu’on ne dit pas, mais qui est là. »

Famille élargie

Pour incarner les jumelles en question, la production a misé sur Irlande Côté, qui a brillé dernièrement dans Avant le crash, et Keyla Mingot, dans son premier rôle d’envergure.

Anderson Jean, qui réalise aussi l’un des 13 épisodes, aux côtés de Jean-Sébastien Lord, se réjouit de ce jumelage : « Elles ont la complicité de deux sœurs qui s’aiment beaucoup. C’était important pour la série. Elles s’entendent super bien et elles m’ont agréablement surpris en tant qu’actrices, particulièrement Keyla qui n’avait pas beaucoup d’expérience. Irlande aussi m’a impressionné par son talent et son professionnalisme. Cette famille-là, j’y crois! Il y a quelque chose de magique qui s’est passé, même avec l’équipe technique. »

Et qui de mieux pour contribuer à cette magie que le patriarche, Fayolle Jean père, qui fait également partie de la distribution. Les deux autres frères Jean (des jumeaux!) et leur sœur sont aussi impliqués dans le projet, que ce soit au montage, au graphisme, au jeu ou à la figuration.

« C’est drôle parce que le seul père que j’ai eu, autant dans la vie qu’à la télé, c’est mon père! » lance Fayolle Jr, toujours heureux de lui donner la réplique. « J’ai aussi beaucoup d’admiration pour mon petit frère. De jouer dans une série qu’il a créée et écrite, c’est vraiment extraordinaire. J’espère qu’il y en aura d’autres! »

L’importance de se voir

Les frères Jean saluent la représentativité de plus en plus grande à l’écran ces dernières années, dans des fictions qui se démarquent. Comme beaucoup d’interprètes afrodescendants, Fayolle père et fils ont connu les personnages de criminels ou de chauffeurs de taxi.

La télé d’aujourd’hui amène le public ailleurs. « C’est formidable de voir des séries comme Jumelles ou Lakay Nou, avec des acteurs d’origines diverses dans des rôles principaux, estime Fayolle Jr. Ça permet aux jeunes de s’identifier sans nécessairement devoir aller sur Netflix. On a besoin de se voir, le Québec en entier, d’origines diverses. C’est important. »

Et pour les Jean, se voir tôt dans la vie, c’est encore mieux. C’est pourquoi Jumelles a été d’abord pensée pour un public de 9 à 12 ans, bien qu’elle puisse rallier toutes les générations. « On a tendance à sous-estimer la maturité émotionnelle des jeunes, explique Anderson. Même si le point de départ est lourd, c’est une série vraiment lumineuse, par rapport à la sororité, à l’amitié… On parle des enjeux raciaux, de la quête d’identité, mais de manière positive. »

Fayolle Jr abonde dans le même sens : « Ce que je trouve différent par rapport aux autres séries jeunesse, c’est qu’on parle de racisme, de violence policière, d’identité, de parentalité… On a trouvé les bons mots et la bonne manière de le raconter à des jeunes, en gardant ça tout de même léger. Il y a beaucoup de discours qui nous divisent présentement et il faut mettre de l’avant qu’on est une seule et belle nation. Il faut qu’on puisse parler de nos différences, qu’on puisse s’écouter et apprendre sur les autres. »

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En ce mois de la Fierté, Futur et médias s’interroge sur les meilleures façons d’aborder aujourd’hui les réalités trans, devant et derrière l’écran. Point de vue de deux créatrices trans très en vue : Gabrielle Boulianne-Tremblay, qui a coscénarisé le film François.e, et la cinéaste ontarienne Luis De Filippis. 

Il y a 10 ans, le Festival international du film de Toronto (TIFF) décernait le prix du meilleur film canadien à Ceux qui font les révolutions à moitié n’ont fait que se creuser un tombeau. Quelques mois plus tard, le long métrage québécois recevait une mention spéciale du jury au Festival international du film de Berlin. À l’époque, le personnage d’une jeune révolutionnaire trans, incarnée par Gabrielle Boulianne-Tremblay, avait particulièrement retenu l’attention.  

« J’y pense à chaque année », se rappelle l’autrice et actrice, qui fut plongée dans un tourbillon médiatique dès sa première expérience de jeu. « Je n’avais pas de formation, je me suis un peu lancée dans l’inconnu, comme un saut dans le vide. Je ne savais pas si le parachute allait s’ouvrir, mais je l’espérais vraiment fort. » 

L’intérêt autour du film, incluant un passage remarqué à Tout le monde en parle, a contribué à éveiller les sensibilités et l’empathie envers la communauté trans, tout en actualisant le regard du milieu de l’audiovisuel à son égard. Une certaine réflexion s’est alors enclenchée.  

« Moi, quand j’ai grandi, je n’avais pas une belle perception des personnes trans à l’écran, se souvient Gabrielle Boulianne-Tremblay. On riait beaucoup d’elles, on les tournait souvent en ridicule, elles étaient comme le clou du spectacle ou elles souffraient et elles mourraient… »  

L’histoire de François.e

L’équipe du film François.e, produit par KO24, avec l’appui financier du Fonds des médias du Canada, voulait absolument éviter ces faux pas. Voilà pourquoi, après avoir lu le livre La fille d’elle-même de Gabrielle Boulianne-Tremblay, le producteur Louis Morissette et le scénariste Jean-François Léger lui ont accordé leur confiance pour coscénariser le film, qui prendra l’affiche le 1er juillet prochain.

« Je dis souvent que c’est écrit à quatre mains, dit Gabrielle Boulianne-Tremblay, mais c’est aussi écrit à deux cœurs. Je pense que je n’ai jamais vu ça au cinéma québécois : une équipe de scénaristes formée d’un homme cisgenre et d’une femme trans. C’est déjà porteur et très évocateur d’où on est rendus dans notre société. »  

François.e raconte l’histoire d’un auteur en pleine crise de la cinquantaine qui prétend faussement être trans pour obtenir le financement de sa nouvelle série. Mais comme on peut s’en douter, son plan va vite dégénérer…  

Plusieurs semaines avant la sortie, l’affiche du film (qui montre Louis Morissette en femme) et les premières secondes de la bande-annonce ont fait réagir la communauté, surtout en France. Certaines personnes ont notamment sourcillé en voyant un acteur cisgenre dans le rôle-titre d’une femme trans.  

Gabrielle Boulianne-Tremblay rappelle qu’il faut bien saisir l’intention derrière tout ça : « Notre mission, avec ce film-là, c’est de prendre le spectateur avec ses idées préconçues et de l’amener ailleurs, explique la coscénariste. C’est un film qui parle de la vision cisgenre à propos de la réalité trans; de comment le personnage de François va être confronté à ses propres préjugés, à une réalité qu’il ne connaissait pas du tout et se remettre en question, mais jamais dans la moquerie. »  

Prendre la place qui s’impose

Cette réaction à chaud témoigne d’un consensus qui se dessine de plus en plus en matière de fiction : nonobstant le talent d’un Christian Bégin dans M’entends-tu? ou d’un John Lithgow dans Le monde selon Garp, pour la communauté, les personnages trans devraient désormais être joués par des personnes trans.  

Gabrielle Boulianne-Tremblay l’affirme sans hésitation, tout comme la cinéaste ontarienne Luis De Filippis, dont les films mettent en scène des protagonistes trans.   

« Autant je pense que les histoires trans ne devraient pas être racontées uniquement par des cinéastes trans, autant je crois que les acteurs non-trans ne devraient pas accepter des rôles de trans », soutient l’artiste qui s’est illustrée dès ses premiers films dans les prestigieux festivals de Sundance, Toronto, Rotterdam et San Sebastián. « Ce sera peut-être moins évident de trouver des acteurs et actrices trans "classiques", mais ça ne veut pas dire que la bonne personne pour le rôle n’existe pas. Ça demande simplement un peu plus de travail dans le processus de distribution des rôles. »   

D’ailleurs, l’héroïne de son premier long métrage Tes mots la nuit dernière, jouée par Carmen Madonia, ne se destinait pas d’emblée à un parcours d’actrice. Selon la cinéaste, ça ne l’a pas empêchée de livrer une interprétation des plus émouvantes. Pour la rendre plus à l’aise sur le plateau de tournage, Luis De Filippis a misé sur une approche qui risque de faire du chemin : le mentorat.  

« Je ne voulais pas que l’on soit les seules personnes trans sur le plateau, poursuit Luis De Filippis. Donc, chaque matin, Carmen savait qu’une femme trans serait là pour l’habillage et qu’une autre fille trans la maquillerait. Elle savait qu’il y aurait une fille trans derrière la caméra. Si on la sent autant dans son élément en regardant le film, je crois que c’est parce qu’elle s’est sentie entourée et soutenue par des gens qui comprenaient à la fois ce que son personnage vivait et ce qu’elle vivait elle-même. »  

Des principes à suivre

Le concept réjouit Gabrielle Boulianne-Tremblay, qui compte bien s’en inspirer sur de futurs projets. Déjà ravie que François.e ait réuni 11 interprètes trans à l’écran – un des plus beaux moments de sa vie –, elle avance également plusieurs idées pour favoriser une représentation positive de sa communauté à l’écran et assurer son bien-être sur les plateaux de tournage.   

D’abord, sensibiliser toute l’équipe en amont à la présence de personnes trans et aux réalités qu’elles vivent. Ensuite, à l’instar de Luis De Filippis, inclure des personnes trans à différents postes de la production. Pour ce qui est des histoires, miser sur des modèles narratifs positifs et variés, pour que les spectateurs n’associent pas seulement la transidentité à des situations de souffrance ou à des scénarios de transition. Aussi, dans la mesure du possible, essayer de redistribuer une part des revenus à des organismes qui soutiennent la communauté. Enfin, comme c’est le cas avec Francois.e, varier les genres dramatiques, en osant alterner entre des moments drôles et des scènes plus profondes. La scénariste est bien consciente que plus un film rejoint des gens au-delà de la communauté, plus il risque de sensibiliser et d’élargir les horizons.

« Toute ma vie, même avant d’être connue, j’ai essayé de rallier les gens, conclut Gabrielle Boulianne-Tremblay. Mon point d’honneur avec ce projet-là, c’était qu’on voit une nouvelle facette de nos communautés, des représentations positives, des hommes et des femmes trans en situation de pouvoir et d’autonomisation. Qu’on ouvre les esprits à une autre réalité que la majorité de la population, encore aujourd’hui, ne connaît pas tant que ça. À l’heure où les ponts brûlent, si un film comme Francois.e, qui tend la main vers l’autre, des deux côtés, peut inspirer les gens et faire œuvre utile, c’est tant mieux! »

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Alors que le film Nirvanna the Band the Show the Movie est en lice pour huit prix Écrans canadiens, les téléspectateurs cherchent à revoir la série originale. Malheureusement, ils ne la trouvent pas.

Des projections au Midnight Madness, la section emblématique du Festival international du film de Toronto (TIFF) l’an dernier. Une sortie en salle remarquée en février. Une boutique éphémère de produits dérivés prise d’assaut par les fans. Et maintenant huit nominations aux Prix Écrans canadiens.

Nirvanna the Band the Show the Movie est sans contredit devenu l’un des plus grands phénomènes canadiens de l’année à l’écran.

Le film a aussi accompli ce que la plupart des cinéastes espèrent quand ils adaptent une série au cinéma : ramener le public vers l’œuvre originale. Les 16 épisodes de Nirvanna the Band the Show ont été diffusés pendant deux saisons sur Viceland en 2017 et 2018, puis sur CBC et CBC Gem, mais ont depuis disparu des plateformes.

Matthew Miller, qui a produit la série et le film, n’est pas surpris de l’engouement renouvelé pour la version télé. « Le film a vraiment touché les gens et trouvé un écho auprès d’eux. Ils en veulent plus », affirme-t-il.

Pourtant, au Canada, la série est quasi impossible à trouver.

Une nouvelle génération découvre Matt et Jay

Créée par Matt Johnson et Jay McCarrol, la série Nirvanna the Band the Show suit les mésaventures des deux amis d'enfance, qui incarnent des versions fictives d'eux-mêmes. Leur obsession absolue : décrocher une date de concert pour leur groupe, Nirvanna, dans la mythique salle torontoise Rivoli, alors qu’ils n’ont jamais écrit la moindre chanson. Leur mission les pousse à inventer des stratagèmes absurdes, épiques et souvent illégaux pour attirer l'attention du bar, avec des résultats désastreux. Le film pousse le concept plus loin en transformant leur longue quête en récit de voyage dans le temps sur l’amitié et l’ambition, qui se déroule en 2008.

Les personnes qui cherchent aujourd’hui à voir la série ne sont pas seulement celles qui l’avaient vue sur Viceland ou CBC. Selon Matthew Miller, le film attire aussi un nouveau public, qui était trop jeune à l’époque de sa première diffusion.

« Il y a toute une nouvelle génération d’adeptes qui n’étaient pas vraiment au courant de l’existence de la série », explique le producteur à propos de Nirvanna the Band the Show, dont la deuxième saison a été financée par le Fonds des médias du Canada (FMC).

Le fait que le long métrage se déroule en 2008 a aussi aidé. Pour les cinéphiles dans la jeune vingtaine, cette période est suffisamment proche pour leur sembler familière, mais assez lointaine pour leur paraître étrange. Les vêtements, les rues, les téléphones et le monde d’avant les algorithmes participent à l’engouement.

« Ce qui a touché les gens dans le film, et que nous n’avions pas vraiment anticipé, c’est cette sorte de nostalgie pour une époque révolue », dit-il.

Matthew Miller ajoute que les vingtenaires ont été séduits par la simplicité de cet univers, avant que les réseaux sociaux et la culture de la surveillance ne modifient le comportement des gens face aux caméras.

Les producteurs reçoivent chaque jour des messages de fans cherchant à voir la série, mais il n’existe actuellement aucun moyen simple et légal pour le public canadien d’y accéder, explique Miller. L’équipe travaille toutefois sur des solutions, notamment une édition physique de la série qui est prévue plus tard cette année avec NEON, leur partenaire de distribution.

Quand la demande surpasse l’offre

Selon des données compilées par l'entreprise d’analyse de données Parrot Analytics et fournies par le FMC, Nirvanna the Band the Show a généré une demande du public 16 fois supérieure à la moyenne du marché canadien entre le 10 mai 2025 et le 10 mai 2026. La série s’est ainsi classée au cinquième rang des comédies canadiennes les plus en demande durant cette période. Leandra Greenfield, analyste de recherche au FMC, affirme qu’une demande de cette ampleur est étonnante et habituellement réservée aux comédies canadiennes de longues durées, largement diffusées et qui bénéficient d’un important soutien des plateformes.

Les données de Parrot Analytics révèlent que, pour la même période, Nirvanna the Band the Show se classe juste derrière certaines des plus grandes séries humoristiques du pays, comme Shoresy, et à peine en dessous des succès que sont Schitt’s Creek et Letterkenny. Ces productions ont bénéficié d’une large visibilité, d’une distribution enviable et de plusieurs années de notoriété auprès du public. Nirvanna se distingue parce qu’il s’agit d’un succès culte, porté principalement par ses fans.

Leandra Greenfield décrit la série comme « surperformante » par rapport à son accessibilité. Autrement dit, Nirvanna the Band the Show fait figure d’ovni puisqu’elle connaît la popularité d’une série largement diffusée plutôt que d'une série difficile à trouver.

L’analyste note également que l’intérêt pour la série a augmenté lors de la sortie en salles du film, en février 2026. Peu après, le public a commencé à « parler de la série, à la regarder et à la chercher activement ».

Les données ne permettent pas de déterminer si ces curieux étaient de nouveaux téléspectateurs ou des fans de la première heure, mais Leandra Greenfield croit qu’il s’agit probablement d’un mélange des deux. La sortie en salle du film et la visibilité obtenue au festival South by Southwest (SXSW), où il a été présenté en première mondiale en mars 2025, ont aussi contribué à faire connaître l’univers de Nirvanna au-delà de ses fidèles.

Greenfield rappelle que les pics de demande pour Schitt’s Creek et d’autres comédies canadiennes ont été grandement favorisés par la distribution, la diffusion en continu et une meilleure notoriété auprès du public. L’essor de Nirvanna est donc probablement lié au changement de format : le film a suscité un regain d’intérêt et a donné envie au public d’explorer davantage son univers.

Il faut toutefois préciser que les données de Parrot Analytics ne sont pas des cotes d’écoute. Elles mesurent plutôt l’intérêt du public à travers des indicateurs tels que les recherches, l’activité sur les réseaux sociaux, les évaluations, les visionnements en direct et les échanges entre internautes, puis traduisent cette demande sous la forme d’un multiple de la moyenne du marché.

Assurer la disponibilité des contenus d’ici

Selon Matthew Miller, l’indisponibilité actuelle de la série n’était pas une stratégie délibérée pour créer une rareté. Les droits ont simplement expiré.

À ses yeux, cette situation reflète un défi plus large auquel sont confrontées les anciennes séries d’ici une fois leur première période de diffusion écoulée. Pour qu’elles restent disponibles, les diffuseurs doivent voir un intérêt à renouveler les licences, et les producteurs doivent avoir une raison claire de négocier de nouvelles ententes.

L’autre défi concerne la compréhension des droits. Une fois qu’une émission a été diffusée, les producteurs ont besoin de connaître les droits qu’ils possèdent, ceux qui ont expiré et ceux qui peuvent être renégociés.

« Honnêtement, ce qui arrive très souvent, c’est que les producteurs ne comprennent pas pleinement les droits qu’ils détiennent ou non, ni leur portée, ni les modalités de leurs ententes de distribution initiales, explique Miller. Les gens détiennent des droits sans même savoir qu’ils les ont. »

Pour les plus petits producteurs, la gestion de ces droits peut rapidement devenir une tâche colossale. « Des entreprises apparaissent, d’autres disparaissent, elles ferment ou font faillite, les ententes expirent. C’est presque un travail à temps plein de suivre l’évolution du catalogue de titres. »

Les rires d’ici et d’ailleurs

Nirvanna n’a jamais cherché à atténuer son identité canadienne. La série s’est construite autour de Toronto, avec le Rivoli et Queen Street comme décors . Les aventures de Matt et Jay reposent sur une représentation de la ville à la fois précise et authentique.

Cette spécificité n’a pas empêché la série de voyager. Les données de Parrot Analytics montrent un intérêt provenant de l’extérieur du Canada, notamment des États-Unis, de l’Australie et du Royaume-Uni.

Quand on demande à Miller s’il existe un décalage entre l’intérêt du public pour la comédie canadienne et l’appétit des plateformes pour celle-ci, le producteur souligne la longue tradition du Canada en matière d’exportation de talents et de séries humoristiques, comme Trailer Park Boys, Letterkenny et Schitt’s Creek.

Il ajoute que les comédies locales sont souvent mieux reçues ici une fois qu’elles ont été reconnues ailleurs. « Les Canadiens sont bien plus enclins à regarder du contenu de chez nous quand ils savent que les Américains le regardent aussi, ce qui est dommage », déplore-t-il.

Selon lui, c’est en partie à cause du marketing. Les plateformes et les distributeurs américains disposent de budgets colossaux comparativement à ceux des entreprises canadiennes. « Les Américains commercialisent le contenu, et ils peuvent investir dans la promotion à une échelle peut-être inatteignable au Canada », explique Miller.

La série a déjà accompli ce qui est le plus difficile à atteindre : redevenir pertinente. Reste maintenant à l’industrie de suivre le rythme.

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Les Vancouvérois Aman et Kamal mettent à profit leur parcours en finances, en histoire et en économie pour créer des vidéos explicatives sur leur chaîne YouTube 2 and 20, qui cumulent des millions de vues. Sélectionnés dans le cadre du Programme pilote pour la création numérique du Fonds des médias du Canada, ils comptent utiliser ce financement pour produire plus de contenu et développer leur marque.

À la fin de 2023, Aman, un professionnel de l’investissement installé à Vancouver et ancien consultant et investisseur, a commencé à réaliser des vidéos sur la finance, l’économie et les affaires internationales, qu’il publiait sur YouTube. « C’était juste moi qui parlais devant une caméra de mauvaise qualité, se rappelle-t-il. C’était très médiocre. »

Ces vidéos étaient un passe-temps en parallèle de son boulot de 9 à 5. « Mon travail est beaucoup plus axé sur les chiffres, et j’ai toujours aimé faire preuve de créativité », dit-il.

Ses deux premières vidéos portaient sur les signes annonciateurs d’un krach immobilier et d’une récession aux États-Unis, des sujets qui l’intéressaient et qu’il connaissait bien.

Il a montré les vidéos à son frère Kamal, diplômé en histoire et en économie de l’Université de Colombie-Britannique et aujourd’hui stratège d’affaires et investisseur. « Kamal m’a dit : “On peut rendre ça beaucoup plus cool et divertissant” », se souvient Aman.

Kamal a commencé à aider Aman à monter les vidéos, en y ajoutant des éléments comme de la musique, des graphiques, des animations et des extraits vidéo. « J’ai appris à faire du montage et de l’animation par moi-même, à l’aide de tutoriels sur YouTube », explique Kamal, qui souhaitait lui aussi lancer une chaîne YouTube. « J’essayais de comprendre comment Johnny Harris, un grand youtubeur qui compte environ 6 millions d’abonnés, arrivait à créer des vidéos aussi esthétiques. Ça a vraiment fait monter notre niveau de production. »

De son côté, Aman a adapté son style d’écriture pour le rendre plus accessible. Il reconnaît que son expérience en consultation l’amenait au départ à rédiger des scénarios denses et complexes. « J’ai commencé à modifier mon approche pour privilégier davantage la narration », précise-t-il.

La naissance d’une chaîne

Ils ont baptisé leur chaîne 2 and 20, en référence à la structure des fonds d’investissement qui prélèvent des frais de gestion de 2 % et une prime de performance de 20%, en fonction du rendement du fonds.

Grâce à une formule et une identité renouvelées, le duo a commencé à connaître plus de succès. En septembre 2023, ils ont publié une vidéo sur l’économie canadienne qui a récolté environ 37 000 vues. Elle a été suivie en février 2024 par une vidéo intitulée « Pourquoi le Brexit a été un échec pour le Royaume-Uni », qui a été visionnée près de 140 000 fois. Puis, les succès viraux se sont succédés : une vidéo sur la crise du logement et du coût de la vie au Canada, une autre sur des enjeux similaires en Australie, chacune totalisant aujourd’hui environ 3 millions de vues.

« Notre nombre d’abonnés est passé de 5 000 à 40 000 en quelques semaines, raconte Kamal. Des commanditaires ont commencé à nous contacter, et des youtubeurs célèbres ont réagi à nos vidéos. C’était une visibilité incroyable. »

Les frères ont commencé à prendre leur chaîne plus au sérieux, y voyant le potentiel de devenir quelque chose de plus grand. Kamal a embauché des monteurs, des animateurs et des créateurs de vignettes pour prendre en charge certaines de ses tâches, en partie parce que la charge de travail dans son emploi principal augmentait. Il s’est alors orienté davantage vers un rôle de production. « Je rédige des consignes de production pour les monteurs et les animateurs, ligne par ligne, pour l’intégralité de la vidéo », explique-t-il.

Aman a lui aussi reçu de l’aide pour la recherche et la rédaction des scénarios, qui prennent généralement une à deux semaines à réaliser. À la fin de 2024, Andrew Hayley, un ancien journaliste chez Reuters, qui travaille aujourd’hui en finance, a offert son aide au duo. « C’est vraiment génial aussi parce qu’il apporte un autre point de vue », déclare Aman.

Commanditaires et FMC : un soutien qui rapporte

Les frères ont maintenant une communauté de 230 000 abonnés. Comme ils continuent d’exercer leur métier principal, ils peuvent se permettre d’être sélectifs dans le choix de leurs commanditaires; ils veulent qu’ils correspondent à leur image de marque et à leur public. Trouver un équilibre entre les possibilités de commandite et la fidélisation de leur audience est, selon Kamal, un véritable défi : « On veut garder une communauté soudée sans pour autant l’inonder de publicités. »

Développer la chaîne tout en répondant aux exigences de leur emploi principal est un autre défi en soi. Kamal et Aman espèrent qu’en faisant appel à davantage de collaborateurs externes, ils pourront trouver cet équilibre. Leur objectif est d’augmenter leur production, passant d’environ une vidéo longue par mois à une toutes les deux semaines.

Ils souhaitent également publier plus de vidéos courtes sur des plateformes comme Facebook, TikTok et Instagram — ce qu’ils pourront réaliser grâce à l’aide financière du Programme pilote pour la création numérique du Fonds des médias du Canada. Ce programme, qui en est maintenant à sa troisième année, distribue un total de 394 000 $ à 21 créateurs qui produisent du contenu vidéo court sur YouTube, Instagram, TikTok et Facebook.

« On a toujours repoussé la production de formats courts, faute de ressources financières et humaines, explique Kamal. [Ce financement] va nous aider énormément. Développer notre stratégie de contenus courts est essentiel pour attirer un nouveau public vers nos formats longs, qui, selon nous, offrent davantage de valeur. »

Tournés vers l’avenir

Pour Aman et Kamal, 2 and 20 est bien plus qu’une simple plateforme vidéo. « Nous voulons créer un média à part entière axé sur l’économie et la géopolitique, affirme Aman. On souhaite non seulement produire de longues vidéos, mais aussi voyager dans différents pays pour aller à la rencontre des gens, et éventuellement lancer un balado. »

Les créateurs de contenu qui traitent de l’actualité, comme 2 and 20, pourraient gagner en popularité et en influence par rapport aux médias traditionnels s’ils bénéficient d’un financement et d’un soutien adéquats. « Notre génération – les millénariaux et la génération Z –, ne consomme plus le contenu des médias traditionnels », conclut Kamal. « C‘est important d’être présent sur les plateformes sur lesquelles les gens se trouvent. »

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Après deux films à succès, Bon cop, Bad Cop revient à la télévision dans une série de six épisodes tournés, entre autres, dans la communauté autochtone de Gesgapegiag. Rencontre avec le scénariste mi’gmaq Quentin Condo, qui a inspiré et aidé ses amis Patrick Huard et Anik Jean à bien raconter cette histoire.

Pour trouver la source du retour de Bon Cop, Bad Cop, il faut faire comme le saumon : remonter la rivière. Plus précisément la Cascapédia, qui se jette dans la baie des Chaleurs, entre Maria et New Richmond, en Gaspésie. C’est là, en apprenant à pêcher, que la réalisatrice et chanteuse Anik Jean est tombée sur son ancien camarade de classe Quentin Condo, qui travaillait comme guide de pêche. Au secondaire, à Bonaventure, Anik et Quentin se croisaient dans l’école, mais sans vraiment se connaître. Au fil du courant et des étés, ils ont tissé une belle amitié. Et comme les amoureux et amoureuses de nos amis deviennent souvent nos amis, l’artiste de la nation micmaque (mi’gmaq) et Patrick Huard, marié à Anik Jean, s’entendent aussi à merveille.

C’est donc en taquinant le poisson, parfois en sirotant un scotch, que l’idée de transposer une intrigue de Bon Cop, Bad Cop dans la communauté voisine de Gesgapegiag a émergé. « On a commencé à en parler il y a une dizaine d’années, après le deuxième film », se souvient Quentin Condo, rencontré dans un café des Cantons-de-l’Est.

« Patrick et moi, ça cliquait comme amis, mais il ne connaissait pas vraiment les gens de notre communauté. Quand je lui racontais ce qui se passait, il posait des questions et il s’est dit que ça serait cool si, un jour, on faisait un Bon Cop, Bad Cop avec une histoire autochtone », poursuit-il.

Savoir naviguer

Beaucoup d’eau a coulé dans la rivière avant que la ligne ne morde enfin. Puis, il y a environ deux ans, le téléphone a sonné. Le projet allait de l’avant, avec l’appui financier du Fonds des médias du Canada. D’abord engagé comme consultant, Quentin a rapidement joint l’équipe d’écriture, en plus d’aider à la distribution et à la recherche de lieux de tournage.

Mais pour que toute l’opération fonctionne, il fallait avant tout l’aval des Premières Nations, notamment à Gesgapegiag. Fils d’un ancien chef et lui-même ex-vice-chef de l’endroit, Quentin est devenu un acteur clé dans la réussite du projet.

« La première chose qu’on a faite, c’est de rencontrer tous les chefs du Québec, explique-t-il. Il y a 43 communautés à l’Assemblée des Premières Nations Québec-Labrador (APNQL). J’ai appelé Ghislain Picard, [qui était alors] le chef régional pour le Québec. Je voulais être sûr que tout le monde était d’accord parce qu’on voulait faire une scène de l’APNQL dans la série. Je voulais que tout le monde ait un rôle et je ne voulais pas de problème avec une autre nation. »

Il s’est ensuite rendu à Gesgapegiag pour obtenir le feu vert du conseil et faire du porte à porte à travers la communauté pour s’assurer qu'elle était derrière lui. « C’est comme ça que ça marche. Il faut être vraiment ouvert parce que si quelque chose ne marche pas, tout peut se refermer. »

Or il a vite constaté l’enthousiasme de la population : « Je pensais que ça allait être plus difficile, mais ils étaient tellement contents de participer. Bon Cop, Bad Cop, c’est très connu chez les Autochtones. Patrick ne savait pas ça. Autour de la rivière, il y a plusieurs guides micmacs et tout le monde connaissait Pat! Il a vu le potentiel de faire quelque chose avec notre communauté. »

Une nation en action

Le souci premier de tout bon scénariste, c’est qu’on croit à son histoire. Et quand une franchise repose sur le choc des cultures, comme Bon Cop, Bad Cop, il est essentiel que tout le monde se reconnaisse. Après avoir été guide de pêche, Quentin Condo est donc devenu guide des mots.

« La chose la plus importante pour moi, c’était que les dialogues soient les plus autochtones possible, confie le coscénariste de 47 ans. On a des façons de dire les choses, une attitude différente, comme les Québécois par rapport aux autres Canadiens. On parle beaucoup avec le silence. Si un Québécois n’aime pas quelque chose, tu vas le savoir tout de suite, mais moins chez les Autochtones. Ils vont juste répondre en silence. On appelle ça le silent no. »

La vérité passe aussi par l’interprétation. Les Micmacs de Gesgapegiag étaient près d’une centaine sur le plateau pour donner vie à leur communauté à l’écran, avec un heureux mélange de plaisir et de fierté. Beaucoup n’avaient jamais joué devant une caméra, mais d’après Quentin Condo, trouver de bons interprètes autochtones n’est pas difficile parce qu’ils sont des conteurs nés. Le défi, c’est de faire des choix…

C’est l’acteur québécois très en vue Joshua Odjick (Ça : Bienvenue à Derry), de la nation Kitigan Zibi Anishinabeg, près de Maniwaki, dans le rôle du chef de police de Gesgapegiag, qui donne la réplique à Patrick Huard, Henry Czerny, Christine Beaulieu et Sarah-Jeanne Labrosse. Nathaniel Arcand, de la nation Cri des Plaines, qui fait également carrière à Hollywood, est aussi de la distribution, tout comme le fils de Quentin Condo, Liam, qui n’en est pas à son premier tournage. « On commence à voir beaucoup de talent autochtone, des acteurs de partout. Pour les gens de la communauté, c’est naturel de devenir acteurs. Ils sont tellement bons, c’est incroyable! »

Changer le monde, une œuvre à la fois

Un allié comme Quentin Condo est un atout précieux pour une équipe de tournage, mais les productions n’ont pas toutes cette chance. Elles peuvent alors se tourner vers le Bureau de l’écran autochtone (BEA). « Le BEA se réjouit de voir le secteur audiovisuel mettre à profit les ressources disponibles afin de collaborer de manière significative avec les communautés des Premières Nations, des Métis et des Inuits. La publication Protocoles et cheminements cinématographiques constitue un guide de référence, accessible à tous sur [notre] site Web », indique Jean-François D. O’Bomsawin, directeur des communications et des initiatives francophones au BEA.

Dans l’Est-du-Québec, on peut aussi approcher le Bureau du cinéma et de la télévision de la Gaspésie. Membre du conseil d’administration, Quentin Condo connaît bien les retombées d’un projet comme Bon Cop, Bad Cop pour la région, qu’il évalue à quelque 600 000 $, un apport non négligeable pour les hôteliers, les restaurateurs et les commerçants, en particulier en basse saison.

Comme à l’époque où il était vice-chef, l’artiste insiste sur l’importance de s’impliquer pour les siens et pour sa culture, mais il le fait aujourd’hui différemment. Quand il ne collabore pas sur des projets collectifs, c’est sur scène, en tant que chanteur hip-hop, que Quentin Condo met de l’avant son talent, son engagement social et son héritage micmac, sous le pseudonyme Q052. « Avec les arts, on est capables de changer le monde! affirme-t-il avec conviction. Pas nécessairement avec la politique. Les artistes ont une vérité que les politiciens vont souvent cacher. »

S’il vit aujourd’hui dans le canton de Hatley, en Estrie, où il a suivi son amoureuse, Gesgapegiag restera toujours sa véritable maison (« mala », dit-il spontanément, la main sur le cœur. Ça signifie « d’où je viens » en micmac). La production y a d’ailleurs déroulé le tapis bleu à la mi-avril pour l’avant-première de la série, accessible sur Crave à partir du 7 mai. Quentin Condo se réjouit que, partout au Canada, le grand public puisse voir sa communauté de l’intérieur, qu’on démystifie ce qui s’y passe, qu’on entre chez les familles (souvent nombreuses) pour mieux comprendre leur réalité et leur vision de la société. Tout ça, en divertissant les gens!

« On vit dans le même pays et on se parle rarement. Je pense que, finalement, la série montre davantage les choses qu’on a en commun. C’est ça qui est l’fun. On réalise qu’on est tous des humains et qu’on réagit aux mêmes sentiments. »

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La nouvelle série Hate the Player: The Ben Johnson Story jette un regard comique sur la vie et l'héritage du sprinteur canadien trouvé coupable de dopage. Découvrez pourquoi la chute de Ben Johnson est racontée du point de vue de l’ancien athlète et avec humour.

Hate the player. C’est une série biographique. C’est une histoire sportive. C’est une comédie déjantée. C’est une lettre d’amour aux Canadiens d’origine jamaïcaine. C’est une série qui frappe fort et qui réussit son coup.

Cette production en six épisodes (actuellement offerte sur Paramount+ Canada et GameTV) retrace la vie et la carrière du sprinteur canadien Ben Johnson, tour à tour adulé puis déchu. Vainqueur du 100 mètres aux Jeux olympiques d’été de 1988, il a vu sa médaille d’or lui être retirée après un test positif aux stéroïdes.

« [La série] vise à redonner un peu d’éclat au nom de Ben, explique le créateur et producteur exécutif de Hate the Player: The Ben Johnson Story, Anthony Q. Farrell. Elle montre comment on l’a placé sur un piédestal avant de le faire tomber… puis de s’acharner sur lui. On raconte son histoire de son point de vue. »

Anthony Q. Farrell s’exprime dans le cadre du symposium du Bureau de l’écran des Noirs (BÉN) à Toronto, où l’équipe créative de Hate the Player s’est récemment réunie pour revenir sur les origines de la série et expliquer pourquoi elle se démarque. Il était accompagné de Ben Johnson, aujourd’hui âgé de 64 ans, des vedettes de Hate the Player Shamier Anderson, qui livre une performance exceptionnelle dans le rôle de Ben Johnson, de Karen Robinson, qui incarne Gloria, la mère du sprinteur, ainsi que du producteur exécutif et PDG de New Metric Media, Mark Montefiore.

Ce dernier révèle que la série a mis six ans à voir le jour sur nos écrans et qu’elle avait d’abord été pensée comme un drame. Or cette approche ne fonctionnait pas, d’où l’idée de faire appel à Anthony Q. Farrell, scénariste et réalisateur comique (The Office, Shelved).

Trouver le côté comique

« On voulait vraiment que ce soit drôle, explique Anthony Q. Farrell. Trouver l’humour, trouver des blagues. C’est une histoire canadienne, c’est une histoire noire, et l’une des choses que ces deux cultures savent faire, c’est trouver le côté comique des choses. »

L'humour de la série prend plusieurs formes : piques subtiles à l'encontre des arbitres racistes et des médias sportifs, gags burlesques et railleries. Le rival de Johnson, le sprinteur américain Carl Lewis, est tourné en dérision; un choix qui posait un risque pour la production parce qu’il pouvait être interprété comme diffamatoire. C’est à ce moment qu’est né le personnage de Walter, l’avocat, incarné par Mark McKinney.

« On travaillait avec l’équipe juridique qui ne voulait pas que nous soyons poursuivis en justice pendant la réalisation de la série », raconte le scénariste et réalisateur. « Parmi leurs conseils, il fallait un contrepoids, quelqu’un qui raconte l’autre version de l’histoire, qui ne soit pas seulement celle de Ben. On a donc eu cette idée : et si je prenais simplement ce que les avocats m’envoyaient et que je l’intégrais dans la série? Ce qui était drôle, c’est qu’une fois qu’ils ont compris le personnage de Walter, ils se sont mis à écrire pour lui. Je leur demandais si c’était une note juridique ou une proposition créative. Ils répondaient : “C’est une proposition!” Et moi : “Non, occupez-vous de l’aspect juridique. Je déciderai de ce qui fera partie de la série!” », ajoute-t-il en riant.

Devenir Ben Johnson

Le poids de la série repose sur les épaules musclées de Shamier Anderson, qui n’a eu que six semaines pour avoir la condition physique exceptionnelle de Ben Johnson. Il devait aussi incarner l’athlète à différentes étapes de sa vie, de l’enfance à la soixantaine.

« J’ai décidé de ne rencontrer Ben que 48 heures avant le début du tournage », révèle Shamier Anderson. « Ben est une personne très différente aujourd’hui de ce qu’il était dans la vingtaine, la trentaine ou la quarantaine. Heureusement, grâce à YouTube et Google, il y avait beaucoup de ressources pour m’aider. Et quand je l’ai finalement rencontré, le but n’était pas de faire une entrevue journalistique, mais plutôt de me connecter à lui, de voir l’homme qu’il est aujourd’hui », poursuit l’acteur.

Ben Johnson, humble et réservé, revient sur leur première rencontre : « [Shamier] m’a invité chez lui pour partager un repas et apprendre à se connaître. Je connaissais ses racines jamaïcaines. On s’est regardés et on a souri; il y avait une connexion. Il m’a incarné à la perfection : ma façon de parler, de bouger, ce que je dis. Et comme il l’a mentionné, il a dû se mettre en forme très rapidement. »

Nouveau départ et fil d’arrivée

Pour l’actrice chevronnée Karen Robinson, Hate the Player est un projet comique unique, qui lui a permis de revisiter son passé de jeune Jamaïcaine ayant émigré au Canada à l’adolescence.

« En lisant le scénario, ma première réaction a été : c’est complètement fou! dit-elle en souriant. C’était juste complètement inattendu, éclaté, audacieux. Ils prenaient vraiment un risque avec ce projet et je devais absolument en faire partie. Si cette histoire est importante à raconter, c’est aussi parce que [lorsque Ben Johnson s’est fait retirer sa médaille], je n’étais dans ce pays que depuis quatre ans. J’étais à Calgary, et je me souviens que des Blancs venaient me voir pour me demander : “Alors, qu’est-ce que tu penses de cette histoire?” »

« À 20 ans, mon esprit critique n’était pas encore assez développé pour répondre à cette question, et je réalise que je ne me suis jamais demandé quelle était la version de Ben. Je me fiais uniquement à ce que je lisais et entendais, et à la façon que les gens m’abordaient en tant que la seule Jamaïcaine qu’ils connaissaient. J’ai l’impression qu’en étant invitée à rejoindre le projet, on m’a donné l’occasion d’explorer cette version de l’histoire », poursuit-elle.

Malgré un budget serré et un calendrier de production qui ont forcé Anthony Q. Farrell à couper certaines scènes, Hate the Player a su trouver sa voix et y être fidèle. Un défi de taille, mais qui démontre que, pour traverser la ligne d’arrivée, on doit être ouvert à ce qui se présente à nous.

« Bien souvent, en tant qu'artistes, on se dit que les choses doivent se faire d’une certaine façon. Non, restez ouverts. Si on comprend l’essence de notre vision et de ce qu’on veut raconter, il y a plein de façons d’y arriver. Il faut être prêts à accueillir ce que la vie met sur notre chemin. »

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Frank Moyo, vedette des réseaux sociaux, fait partie des 21 créateurs sélectionnés dans le cadre du Programme pilote pour la création numérique du Fonds des médias du Canada. Le professeur de chant explique pourquoi il réalise des vidéos pour enseigner l’italien aux enfants, et comment ce soutien financier pourrait l’aider à faire passer son contenu au niveau supérieur.

Les racines italiennes de Frank Moyo sont profondément ancrées. Ses parents et ses grands-parents ont émigré de la Calabre, dans le sud de l’Italie, vers le Canada au début des années 1970. Né en 1993, Moyo a grandi dans la culture et la langue italiennes. Il était très proche de ses grands-parents, en particulier de sa grand-mère maternelle, qu’il appelle « Nonna ». « Je parlais italien quand j’étais enfant et j’ai grandi en mangeant italien », raconte-t-il.

À 11 ans, le jeune Frank découvre la musique. « J’ai vu une guitare dans une vitrine et j’ai demandé à mon père de me l’offrir pour Noël, se souvient-il. C’est une histoire un peu clichée, mais je vous jure que c’est vrai. » Il commence alors à composer et à développer ses talents d’auteur-compositeur-interprète, tout en étudiant l’italien et l’archéologie à l’Université de Toronto, avant de poursuivre sa formation en enseignement.

Frank Moyo est professeur de musique depuis 2018 et travaille dans deux écoles primaires de Toronto. Mais ce n’est qu’après six ans de carrière, vers 2024, qu’il commence à réunir ses trois passions : la musique, l’enseignement et l’italien. Une quatrième s’ajoute rapidement à l’équation : la création de contenu. Sous le nom de @frankmoyomusic, il rejoint près d’un million d’abonnés sur Instagram, et publie aussi ses vidéos sur YouTube sous le nom de @FrankMoyo.

La naissance d’un créateur de contenu numérique

Même s’il avait déjà chanté en italien, surtout des reprises, Frank Moyo a été inspiré par la façon dont certains professeurs de langue utilisent le rythme pour faciliter la prononciation. « Je me suis un peu basé sur le rythme », explique-t-il, en prenant le mot « parmigiano » comme exemple. Il décompose le mot en syllabes, puis les intègre à une trame rythmique. « Ensuite, on en fait une chanson. »

Il a vu l’apprentissage de l’italien comme un moyen de briser la glace pour permettre à ses élèves en musique de vivre une nouvelle expérience ensemble. « Ils étaient moins timides et moins préoccupés par le jugement des autres, car ils apprenaient tous en même temps », raconte-t-il.

Frank Moyo a ainsi composé ce qu’il appelle « The Cheese Song », qu’il a interprétée devant une classe de deuxième année, en posant son téléphone sur un support de projecteur. Il voulait filmer sa performance et la publier en ligne afin que d’autres puissent en profiter. C'était l'une des premières chansons d'apprentissage de l'italien qu'il a publiées sur son compte Instagram, et elle est devenue virale.

« La vidéo a atteint 15 millions de vues en une semaine ou deux, se souvient-il. Elle a été republiée par Jennifer Garner, Jennifer Love Hewitt et toutes ces grandes vedettes. Je pense que c'était juste quelque chose de vraiment nouveau, et que personne d'autre ne faisait rien de semblable. »

La popularité de Frank Moyo prend de l’ampleur

Moyo poursuit sur sa lancée en écrivant des chansons éducatives en italien, qu’il interprète d’abord en classe avant de les publier en ligne. Il y a d’abord eu « The Pasta Song », puis une chanson sur la façon d’exprimer son amour en italien, ainsi que des chansons sur les fruits, les légumes et les couleurs.

Le succès est au rendez-vous, autant à l’école qu’à l’extérieur. « The Buongiorno Song », qui présente différentes salutations italiennes, a été visionnée 12 millions de fois. « Des parents venaient à l’école pour me dire à quel point ils adoraient les chansons et que leurs enfants les chantaient jour et nuit », raconte-t-il.

Conscient du potentiel de ses chansons, Frank Moyo décide de passer d’Instagram à YouTube. Il collabore avec un monteur pour créer des vidéos et des vignettes rappelant celles de chaînes éducatives populaires telles que Ms. Rachel et Super Simple Songs.

Puis un autre grand tournant se produit pour le créateur numérique : une chanson qu’il consacre à sa nonna devient virale, ce qui lui vaut une apparition à Canada's Got Talent en avril 2025. Un livre jeunesse illustré intitulé Nonna, écrit par Frank Moyo, paraît le mois suivant. « C’est une véritable célébrité en ligne, dit-il, en parlant de sa grand-mère. Elle adore ça. »

Une émission pour enfants à l’horizon?

Bien qu’il continue de se consacrer à la création de chansons éducatives en italien pour les enfants tout en enseignant à temps plein, Frank Moyo espère un jour développer une véritable émission pour enfants. Il commence à expérimenter des techniques vidéo plus avancées, comme le tournage sur fond vert, et fait appel à des illustrateurs et des animateurs pour rehausser la qualité de production de son contenu.

Sélectionné parmi les 21 créateurs de la troisième édition du Programme pilote pour la création numérique du Fonds des médias du Canada, Frank Moyo bénéficie d’une part de l’enveloppe totale de 394 000 $ distribuée cette année. Le programme vise à soutenir la croissance des créateurs de contenu numérique canadiens au milieu de leur carrière qui produisent du contenu vidéo de courte durée, exclusivement sur YouTube, Instagram, TikTok ou Facebook. Ce financement aidera Moyo à améliorer la qualité de ses vidéos et à développer sa chaîne. « À terme, j’aimerais organiser de vrais concerts pour les enfants », explique-t-il. « Je m’inspire beaucoup de Robert Munsch et de Raffi, et de ce qu’ils ont accompli au fil de leur carrière. »Alors qu’il s’investit pleinement dans le contenu éducatif pour enfants, Moyo admet avoir dû mettre de côté ses aspirations d’auteur-compositeur-interprète « pour adultes ». « Je me définis un peu comme musicien pour enfants, maintenant, dit-il. C’est difficile de revenir à ma musique d’origine, mais j’aime ça. J’adore voir le visage des enfants. »

L’un des moments forts de sa carrière a été une séance de dédicaces dans une librairie Indigo à l’été 2025. « J’ai vu tellement de familles là-bas, avec leurs enfants, leurs mamans, leurs papas, leurs grands-parents et leurs petites-filles, tous ensemble, chantant en chœur », se souvient-il. Ce fut une expérience incroyable, qui m’a donné le sentiment d’avoir une mission. »

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